Soundtrack to a Coup d’Etat

Johan Grimonprez

2024 | Bèlgica, França, Països Baixos | 150 min.

Monumental i innovadora lliçó d’història a ritme de jazz que explora les turbulències socials dels 60, la Guerra Freda, la descolonització d’Àfrica i com la CIA i la monarquia belga van orquestrar l’assassinat de Patrice Lumumba, primer ministre del Congo, utilitzant llegendaris músics de jazz com a distracció. La significació política i la música d’artistes afroamericans com Dizzy Gillespie, Nina Simone, Max Roach o Abbey Lincoln i congolencs com Adou Elenga o Joseph Kabasele són un personatge més que uneix les peces d’un cruent i apassionant trencaclosques.

El 22 de novembre, el comissari Carles Guerra conversarà amb la comissària Pascale Cassagneau (CNAP).

Intervenen: Miriam Makeba, Andrée Blouin, Nikita S. Khruschev, Patrice Lumumba, Allen Dulles, Paul-Henri Spaak, In Koli Jean Bofane, Krishna Menon, Malcom X, Max Roach, Abbey Lincoln, Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Nina Simone, Thelonious Monk, Docteur Nico, Joseph Kabasele

El programa Comment ça va? pren el seu títol de la pel·lícula homònima de Jean-Luc Godard (1978), i ha estat desenvolupant-se al llarg de les anteriors edicions del Festival LOOP. Presenta documentals que manifesten una notable capacitat per recorrer la història, recuperar la veritat i capturar la realitat, no com els seus objectius finals, sinó més aviat com a eines i potencialitats de formes, que emprenen un viatge i forgen un camí a través de complexes geografies polítiques. Les obres seleccionades encarnen una sèrie de propostes que reprenen alguns dels tòpics de l’art contemporani, així com possibilitats narratives que responen a la vocació d'”històries que mereixen ser contades” (per citar a Paul Ricœur en Temps et Récits I).

A Comment ça va? Jean-Luc Godard grava un intercanvi entre el redactor cap d’un diari comunista i sindicalista i el seu amic, un militant d’esquerres, durant la redacció d’un article que pretén revelar el procés de producció del seu diari. Tots dos discrepen sobre el tractament de la informació i, en particular, sobre la utilització de dues imatges. La primera imatge mostra a civils i soldats en conflicte durant la “Revolució dels Clavells” de Portugal, i la segona, un enfrontament entre vaguistes i forces antidisturbis franceses durant una protesta. Encara que la pel·lícula aconsegueix exposar les complexes tensions ideològiques i les dissensions que van dividir a l’esquerra francesa, a través del muntatge i el moviment de la pel·lícula, també dissecciona la dimensió retòrica de l’elaboració de notícies.

La pràctica contemporània del vídeo, que ressona amb diverses hipòtesis sobre la realitat, la història i la intimitat, no és un camp transcendental en si mateix, sinó més aviat un territori indefinit en el qual els artistes s’aventuren (com fan amb la fotografia, el dibuix, els mitjans digitals o la creació d’objectes). En abordar aquests temes, diverses obres de vídeo els desplacen per a explorar el seu abast utòpic, com per exemple, amb l’apropiació de diverses fonts culturals extretes dels mitjans de comunicació de masses i la perspectiva de la xarxa basada en Internet com a context; el temps humà i la autoficcionalització individual; la singularitat i la intimitat reformulades en l’escala del temps comú i entre l’espai públic i el privat; representacions úniques del jo que estableixen un diàleg amb l’edició de la imatge, ja que el muntatge, la fragmentació i la referència a l’espai cinematogràfic es converteixen en la seva principal motivació.

Des del segle passat, l’aparició del document com a element de creació de coneixement ha modificat l’estatut de la memòria. En efecte, les imatges proporcionen a la memòria un suport i un portal de reflexió, conduint la mirada tant cap a l’objecte de la memòria com cap a la memòria de l’objecte, reconeixent l’ambigüitat de la seva articulació. A més, el document ha donat lloc a tipus d’assemblatges i muntatges que serveixen de base per a l’elaboració de relats i formes de historització. La creació d’arxius planteja alhora interrogants sobre la història i sobre els relats personals i individuals. Tal és la naturalesa del document: un valor d’ús per a la reapropiació de subjectivitats, de formes d’historicitat, a través de la multiplicació d’hipòtesis narratives.

Programa

18/11/2023, 17.30h
João Pedro Rodrigues & João Rui Guerra da Mata. Onde fica esta rua? ou Sem antes nem depois (2022, 88 min)

19/11/2023, 18h
Joris Lachaise, Transfariana (2023, 150 min)

Aquest programa té el suport d’Acció Cultural Espanyola (AC/E).

Des de la nostra finestra es pot veure un set de la pel·lícula del 1963 The Green Years. Aquest va ser el nostre punt de partida: guiats per la mirada de Paulo Rocha, mirem enrere als llocs de la pel·lícula. Els successius estrats geològics, urbanístics i socials de Lisboa, assetjats per la pandèmia que va interrompre el tiroteig, s’extenen davant de la nostra càmera, com un improvisat jazz contemporani d’una partitura escrita el 1963.

A La Picota, una presó d’alta seguretat al sud de Bogotà, el matrimoni d’un guerrilla de les FARC amb una dona transgènere extreballadora sexual, sentenciada a cadena perpètua, primer va provocar un escàndol, després una transformació de mentalitats. Basada en la història d’aquests nuvis rebels, la pel·lícula segueix la trobada entre dues formes de lluita, dos models de lluita que son transformats per interpenetració. FARC i LGBTQIA+, la mateixa lluita?
Entre el món de les presons, la vida urbana a Bogotà i la selva colombiana, la càmera busca signes de canvi en la societat. Una intel·ligent, sorprenent i profunda pel·lícula de mosaic humà.

L’espai expositiu en línia courtyard presenta una projecció prèvia de la propera producció High Heel Beloveds de l’artista Leslie Thornton. Per a High Heel Beloveds, Thornton fa una sessió de VJ entre el seu arxiu d’imatges de nàufrags, extretes de la seva obra cinematogràfica Peggy and Fred in Hell (1983-2015, 95 minuts). En el transcurs del proper any, segons les seves pròpies paraules, “aprendrà a parlar en un buit de transmissió”, a través d’imatges mutiladores que ha filmat i recopilat durant dècades. A partir de tot el treball amb la creació d’imatges, Thornton oferirà una cadena d’experiments d’aparicions i degradacions, amb noves formes que arriben i es dissipen amb el temps.

Un avenç d’aquest procés es presentarà per primera vegada al Festival LOOP.

High Heel Beloveds presenta imatges que mai no es van veure abans, juntament amb Peggy i Fred a Hell: The Prologue (1985, 18:43 min) i High Heel Beloved (2022, 4:5 min).

Hacia la niebla és un projecte de cinema expandit que sorgeix a partir de l’experiència de contagi,
aïllament i posada en llibertat amb el COVID-19 del mateix director al Quebec, Canadà. Treballa el film com a matèria, com a possibilitat i com a metàfora. La relació amb lespai, amb la memòria i amb lanyorança. La peça és un assaig sobre una pandèmia des del cos. Un cos que encarna immunitat i que la posa en dubte. Un somni que alhora evoca la por i l’esperança. Un exercici que parteix de la incertesa paralitzadora cap a la força vulnerable capaç de tombar gegants.

«Quan tinc ganes d’escoltar música, obro les finestres del meu apartament.»

John Cage

Artista Holandesa, resident a Brussel·les, Manon de Boer fa del seu cinema i de les pel·lícules el seu territori fonamental de creació i d’expressió. Les seves primeres pel·lícules silencioses, al final dels anys 90 són retrats cinematogràfics. Contrariament, les posteriors pel·lícules que evoquen el músic Bela Bartok són pel·lícules sobre el so, la música i la psalmòdia, pensades en perfecta complicitat intel·lectual amb la companyia Rosas i la coreògrafa Anna Teresa de Keersmaeke, així com amb l’intèrpret George van Dam. Els seus retrats de músics i músiques són experimentacions de formes fílmiques i de formes temporals. Les pel·lícules a mig camí entre l’art i el cinema són tanmateix espais en estat d’acollir perpètuament el buit. De naturalesa performativa, el cinema de Manon de Boer consisteix en la interpretació corporal, coreografiada en partitures, amb la seva atenció focalitzada sobre les nocions d’interpretació, de partitura, de notació i d’enregistrament.

‘Attica’ (2010)

Attica (2008) fa referència al motí que va tenir lloc els dies 9 i 13 de setembre de 1971 a la presó de l’Àtica (Estat de Nova York), en el qual més d’un miler de presoners es van revoltar després de l’assassinat del militant del partit Black Panther mort pels guàrdies al pati de la presó de San Quentin (California), i també contra les condicions de detenció de l’Àtica. 29 presoners van ser assassinats a conseqüència del motí.

El 1972, el compositor Frederic Rzewski va composar dues peces, Coming Together i Attica, basades en cartes de Sam Melville, un presoner blanc afusellat en l’assalt final als amotinats. Amb Attica, Manon de Boer fa tocar l’obra musical a quatre músics – Laurent Blondiau (trompeta), George van Dam (violí), Emmanuel Louis (veu) i Jan Rzewski (saxo) -, donant-li una arquitectura precisa: la tornada principal que forma la columna vertebral de l’obra de Rzewski – “Attica is in front of me”, dóna forma a un bucle repetitiu, segons el dispositiu d’un viatge circular és filmat en el reflex d’un mateix.

‘Dissonant’ (2010)

Amb Dissonant, (2010) pel·lícula sobre les relacions entre la dansa i la música – des que al 1939, John Cage escrivia en un assaig « Silenci » que « La música esdevindrà més que un acompanyament: formarà part integrant de la dança»- Manon de Boer filma un procés de memorització en directe: una ballarina de la companyia Rosas és filmada mentre escolta un moviment d’una sonata per a violí del compositor Ysaÿe, per tal d’interpretarla. La ballarina memoritza la seqüència mentre la desxifra. Segonament, la cineasta la grava de nou mentre interpreta el moviment ballant, en absència de música. El so sempre està fora d’escena en l’obra de Manon de Boer. El que revela perfectament aquesta obra, és la perfecta adequació intel·ligent entre la geometria musical i la geometria corporal, coreogràfica. La represa, la repetició, l’excés de la reiteració, permeten a l’artista tornar sensibles els moments intersticials, diferències visibles a la superfície.

‘One, Two, Many ‘(2012 – CNAP)

Rodat a l’Hotel Wolfers de Brussel·les amb la cantant soprano nord-americana Claron McFadden. El principal motiu d’aquesta obra de Manon de Boer és la respiració, l’espai i el buit de l’arquitectura a més a més que la intèrprete improvisa lliurement una peça cantada inspirant-se en un cant del segle 17.

‘On a Warm Day in July’ (2015 –  Le Fresnoy)

One, Two, Many (2012) és una obra concebuda per a la Documenta 13 de Kassel que explora els espais d’escolta i d’interpretació de la música que passa a través del cos. Tres grans moviments integren l’obra: un primer travelling cap a endavant ens mostra el retrat en primer pla d’un intèrpret flautista en el procés de buscar l’alè, esculpir-lo i explorar-ne el gra. Un segon moviment – seqüència fa sonar la veu de Roland Barthes enregistrada durant els darrers cursos del Col·legi de França dedicats a Comment vivre ensemble. El fragment tracta sobre les relacions que uneixen el pensament i la veu. Finalment, el darrer moviment és un travelling lateral en bucle que presenta un cor de cantants que interpreten Tre canti popolari de Giancito Scelsi mentre uns quants personatges giren al seu voltant creant una mena de cercle desorganitzat, immersos en una escolta singular.

Estrenada a principis de febrer en la Dhaka Art Summit 2020, ‘Fog Dog’ és la primera incursió de l’artista en la narració cinematogràfica. Presa com a punt de partida la curiosa interacció dels habitants humans i no humans de l’Institut de Belles arts de Dhaka, documentant la vida quotidiana de l’escola i els nombrosos gossos de carrer que viuen allí i semblen portar una existència paral·lela.

Dissenyat per l’arquitecte i pioner del modernisme bangladesí Muzharul Islam (1923-2012) i caracteritzat per una estructura oberta -columnes obertes, escales exemptes, gelosies de ceràmica i pantalles de fusta permeten entrellaçar l’interior i l’exterior- l’edifici és alhora escenari i protagonista de la pel·lícula. Els límits entre l’interior i l’exterior, l’edifici i els jardins que l’envolten, els espais institucionals i els públics semblen fluids. Els sorolls ambientals del paisatge tropical i de l’entorn urbà es barregen, creant un paisatge sonor molt evocador.

A partir de la inextricable imbricació de les petjades del passat i les perspectives de futur en les realitats actuals, les converses sobre les conseqüències duradores del passat colonial i un reportatge televisiu sobre els efectes del canvi climàtic s’entrellacen amb la vida quotidiana que trobem, mentre la pel·lícula s’instal·la en la rutina del vigilant nocturn de l’escola. Durant la nit, l’edifici rep la visita d’una presència fantasmal, un fantasma que no sembla estar fora de lloc i que continua aguaitant al seu guardià fins i tot després de l’alba.

Les relacions amb la Terra han estat relacions socials de treball i explotació des del capitalisme industrial emergent de segle xix, de la mateixa manera que en el capitalisme digital del segle xxi.

Qui té els recursos naturals i qui en rep els guanys? Com configuren el treball assalariat i l’explotació les nostres relacions amb la Terra i les nostres relacions mútues? Com es contraposa l’acceleració dels processos digitals a la lentitud dels processos geològics? L’artista Regina de Miguel es fa aquestes preguntes basades en les regions del Chocó a Colòmbia i Río Tinto a Espanya. En elles l’estat, la població local i les corporacions internacionals lluiten per l’or subterrani, un element essencial per a la indústria informàtica alhora que un element alienígena, que configura un objecte del mal associat al desig i la violència sobre els cossos i els territoris.

A través de diversos escenaris es fan visibles diferents aspectes de colonialitat extractivista, estratègies de resistència i guerrilla, l’activisme social feminista de Yuli Correa a Colòmbia durant el procés de Pau i una relectura crítica del Museu d’Or de Bogotà i els seus protocols d’ocultació per finalitzar amb un epíleg basat en Mi Museo de la Cocaína de Michael Taussig.

Amb el suport de la Fundación Más Arte Más Acción (Colòmbia).

Into the River és una sessió de vídeo-performance que reuneix tres treballs desenvolupats dins del marc de treball d’Estètiques Transversals, una plataforma d’experimentació entre l’art, la mediació i l’espai social activada per Idensitat en col·laboració amb centres artístics de València, Alacant i Castelló, en col·laboració amb el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana; i a Huarte, Burlada i Villava amb el Centre d’Art Contemporani de Huarte.

Estètiques Transversals és un lloc de confluència entre les pràctiques artístiques com a espai d’investigació crítica; les accions de mediació com a espai de producció de contingut, d’interacció i de transferència d’aprenentatges; i el context com a espai de relació entre una temàtica de treball i un determinat espai social actiu al voltant d’ella.
En aquesta darrera edició 2021, Ecosistemes de Ficció, tant a Navarra, com a la Comunitat Valenciana s’ha treballat a partir de la premisa conceptual de la Ficció i d’una sèrie d’escenaris comuns: els rius.

Artistes, participants dels contextos locals, i espais educatius han desplegat diferents processos entorn de les tensions, paradoxes o connexions que hi ha entre les realitats i ficcions imaginades en els contextos proposats; partint dels rius i els seus components i lectures (naturals, socials, paisatgístiques, polítiques, etc.) com elements que perfilen i alhora difuminen els límits entre el rural i l’urbà.

L’aigua del riu Arga, o l’absència d’ella com a les lleres el Riu Sec de Castelló, Túria de València i Riu Monnegre d’Alacant, dialoga i desplega diferents visions imaginàries o ficcionades pròpies dels territoris on es desenvolupa el projecte.

Per a aquesta sessió es proposen tres peces audiovisuals; tres produccions experimentals en diàleg amb aquests rius que són el resultat de les residències artístiques dutes a terme en el marc d’ Estètiques transversals – Ecosistemes de ficció entre 2019 i 2021. The Night Flier de Jorge Núñez de la Visitació realitzat en residència al Centre Cultural Les Cigarreras d’Alacant; De Perdidos al Rio de Joana Capella i Roc Domingo, i La Guaca o Tresor d’Alfonso Borragán, tots dos treballs realitzats en residència al Centre d’Art Contemporani Huarte.

The night flier
Jorge Núñez de la Visitación
The Night Flier AKA fleeting AKA Full Exposure és una pel·lícula fragmentada de terror fantàstic. Una mostra de cinema performatiu, duta a terme durant la residència artística de Jorge Núñez de la Visitació al Centre Cultural Les Cigarreras i el riu Monnegre (Riu sec) d’Alacant. La barreja de vídeo, so i text serveix per a reconstruir les estètiques fílmiques de cinema de gènere fantàstic posant-lo en relació amb el paisatge. Un paisatge format per un curs fluvial discontinu i feble. Com es narra la por a allò que es desconeix? Què passa amb la fricció entre l’inesperat i el convencional?

La narrativa gira entorn de la Margot. Ella viu al costat de dos científics en una casa a la banda de la platja. Com sospita que estan fent experiments tèrbols en una habitació de la casa. Un dia, aprofitant que han sortit, Margot tafaneja al laboratori i toca una substància desconeguda. A partir d’aquí comença a sentir-se estranya i té un somni recurrent: un avió solca la mar Mediterrània al mig de la nit mentre emet senyals estranys per ràdio. Margot entra en contacte amb un ens sorgit de la nocturnitat: The Night Flier.

La Guaca o Tesoro
alfonso borragán
La Guaca o Tesoro és un vídeo-assaig desenvolupat en col·laboració amb Patxi Alda, Ione Lameiro i Hasier Larretxea. La peça és una narració semificcionada en la cual s’imagina la relació entre els fragments de tresors acumulats al riu i arrossegats pel corrent, i la buscadora, que es deixa trobar per ells. El tresor és esquiu i com la mateixa buscadora de tresors relata, el tresor escapa dels seus buscadors. La guaca et troba. El vídeo-assaig es construeix a través de reflexos que busquen aquests tresors a l’aigua, i imatges fragmentades de la reconstrucció de fotogrametries de tresors que escapen a la seva representació.

La Guaca és part del projecte a llarg termini No Man ‘s Land que fa servir l’aigua i el joc com a reveladors d’allò il·lícit. Re-ocupant un espai oblidat, lliure normes socials i de propietaris. El projecte, d’una banda, tracta de recuperar les pràctiques amagades que allà es realitzaven i els records que l’habiten; de l’altra, vol recrear noves històries, experiències i mites perquè puguin ser recuperades en el futur. En aquesta fase, el projecte explora el magnetisme del destí i atracció del riu Arga, i les tres localitats que segueixen el seu curs: Huarte, on se situa el Centro de Arte Contempoáneo de Huarte, Burlada i Villava (Navarra).

De perdidos al río
Roc Domingo y Joana Capella
De perdidos al río, és un projecte resultant d’una residència orientada a treballar la relació entre la realitat i la ficció aplicades al context de riu Arga al seu pas per les localitats de Burlada, Villava i Huarte.

En aquest projecte s’experimenta amb l’imaginari vinculat a la memòria i la identitat del riu, i la construcció d’un nou imaginari mutant elaborat des de la ficció. La formalització del projecte es va adaptar a les noves circumstàncies derivades de la pandèmia, esdevenint una experiència estètica particular, sense públic, una estranya Romería solitària de dos éssers que emergeixen de l’antropocè, que en el seu trajecte uneixen el centre Huarte, amb el centre de tractament de residus de Góngora, seguint el curs del riu Arga, passant per Burlada i Villava.

L’acció es converteix en una peça audiovisual de llarga durada que es transmet en directe. La pel·lícula performativa és un pla seqüència que recull tota la travessia, des de l’inici del projecte, el seu procés de producció i el camí pròpiament dit executat per les artistes. L’interès en l’ús de la reproducció aleatòria en directe, la multipantalla i el pla seqüència, serveixen per qüestionar la linealitat narrativa dels fets, posant en tensió la direccionalitat i la transició, intentant desplegar o desvetllar aquells mecanismes que construeixen aquesta idea. La peça va acompanyada d’un text, convertit en una veu en off que va apareixent a mesura que es van succeint les imatges.

Un curtmetratge en blanc i negre d’Albert Badia i 15-L, a partir de la intervenció artística d’Enric Llorach al pavelló Mies van der Rohe del Loop Barcelona 2017: Un espectacle de dansa partir de la composició de Fèlix Pastor i la ballarina Sonia Fernández en què van assajar la visita d’una dona al pavelló alemany de Mies van der Rohe.

“Construït per primera vegada l’any 1929, el Pavelló Alemany fou dissenyat per ésser travessat. Però el pavelló és també un laberint. A l’interior, hi trobaràs un envà d’ònix. A l’altura de la mirada, l’esclat del vetejat de silici et ferirà com l’escena inicial d’Un chien andalou, que practicava el mateix seccionament horitzontal de la mirada. Llavors, la teva presència esdevindrà espectral fins que trobis una escultura sobre l’aigua: una nova forma humana, femenina i gran, capturada en el moment del seu desvetllament.” Enric Llorach

Director: Albert Badia
Ajudant de direcció: Jeffrey Frígula
Dansa i coreografia: Sonia Fernández Lage
Muntatge: Albert Badia
Violoncel: Ingrid Kunztmann
Acordió: Edurne Arizu
So: Sixto Cámara i Enric Guaus
Composició i direcció musical: Fèlix Pastor
Direcció artística: Enric Llorach
Acompanyament artístic: Bàrbara Raubert i Carles Murillo
Escultura Mineral: Nicolas Joos
Productors: Carlota Coloma i Adrià Lahuerta
Ajudant de producció: Anna Asensio
Una idea original d’Enric Llorach i Fèlix Pastor
Una producció de Fundació Mies van der Rohe i 15-L. FILMS

Com a resultat de la col·laboració a llarg termini amb la comissaria Pascale Cassagnau, responsable de la col·lecció audiovisual i de nous mitjans del CNAP (el Centre National des Arts Plastiques, a París), amb motiu del Barcelona Gallery Weekend, LOOP presenta l’obra de 2016 I Had Nowhere to Go: A Portrait of a Displaced Person [«No tenia on anar: retrat d’una persona desplaçada»], del prestigiós artista visual Douglas Gordon. La pel·lícula és un projecte de noranta-set minuts en els quals se sent la veu en off del cineasta experimental Jonas Mekas, que llegeix diversos fragments de la seva autobiografia de 1991, del mateix títol, mentre la seva imatge apareix intermitentment del buit negre que conquereix la pantalla. Un altre exemple de la tendència de Gordon a jugar amb les expectatives al voltant de les obres d’imatge en moviment, i també una producció més aviat híbrida, a mig camí entre el videoart i el cinema experimental, I Had Nowhere to Go continua la pràctica de l’artista com a retratista alhora que crea un espai per debatre les fronteres entre disciplines.

Activitat dins el marc de Barcelona Gallery Weekend 2019.

El moviment cultural conegut com a Cosmisme Rus, promogut pel filòsof Nikolai Fedorov a finals del segle XIX, va aflorar a Rússia abans de la Revolució d’Octubre de 1917. Basant-se en una àmplia teoria de la filosofia natural, aquest moviment tenia l’objectiu utòpic no només de reformar l’art, sinó també de crear un món nou. Els pilars ideològics del Cosmisme eren la fi de la mort, la resurrecció i el lliure moviment dins l’espai còsmic. Anton Vidokle, artista i editor de la revista digital E-Flux (Rusia, 1965), recupera els fonaments del pensament cosmista i captura les restes de l’art i l’arquitectura soviètica en una vídeotrilogia de noranta-sis minuts: des de les desolades estepes del Kazakhstan fins als museus de Moscou. Les composicions de John Cale i Éliane Radigue constitueixen el rerefons musical d’aquest imaginari aparentment suspès en el temps.

This is Cosmos, 2014 (28’’ 10’)
HD Video, color, so
En rús amb subtítols en anglès

The Communist Revolution Was Caused By The Sun, 2015 (33’’ 36’)
HD Video, color, so
En rús amb subtítols en anglès

Immortality and Resurrection for All!, 2017 (34’’17’)
HD Video, color, so
En rús amb subtítols en anglès

Activitat en col·laboració amb La Capella, en el marc de BCN Producció, dins del projecte de comissariat “Esdevenir immortal i després morir” de Caterina Almirall, que s’exposarà a La Capella entre octubre de 2020 i gener de 2021.

http://lacapella.barcelona/ca/esdevenir-immortal-i-despres-morir

http://lacapella.barcelona/ca/immortality-all-una-trilogia-filmica-sobre-el-cosmisme-rus

En el marc del cicle de cinema documental Comment ça va? que l’experta i comissària Pascale Cassagnau programa des de fa més de 5 anys, el festival LOOP i el cinema Zumzeig presenten una sessió dedicada íntegrament a Jean-Luc Godard. Centrada en la relació de Godard amb l’art en general, la sessió presenta dos curtmetratges relacionats amb l’amplament debatuda exposició Voyage(s) en utopie, Jean-Luc Godard, 1946-2006. À la recherche d’un théorème perdu (Centre Pompidou, 11 de maig – 4 d’agost de 2006). Reportatge amateur (maquette expo) mostra una maqueta de cartró confeccionada a partir de materials humils que suggereix un diàleg ambiciós entre el cinema, la pintura i la literatura. Concebuda uns mesos després, l’obra Souvenir d’Utopie presenta aquesta mateixa maqueta amb imatges més definides, estàtiques, sense comentaris, accentuades pels fosos a negre.

Amb la col·laboració del CNAP (Centre national des arts plastiques, París).

Mostrar un conjunt d’obres cinematogràfiques que revelen maneres discursives d’apropar-se a l’univers espacial, mitjançant consideracions estètiques, és el motiu d’aquesta sessió. El caràcter evocador de tres peces abstractes d’animació còsmica i l’esplendor de tres documentacions focalitzades en cometes, la Lluna o la Via Làctia, articulen la selecció. Les inscripcions sobre el mateix cel·luloide de Lye, la música visual d’arrel pictòrica de Sistiaga, les multiplicacions astrals de Szlam, l’especulació meteòrica de Stratman, l’imaginari marcià de Daroll i les hipnòtiques filmacions celestials de Liotta conformen el programa. En aquest es combina la no figuració galàctica amb l’hiperrealisme interestel·lar.

Com a resultat de la col·laboració a llarg termini amb la comissaria Pascale Cassagnau, responsable de la col·lecció audiovisual i de nous mitjans del Centre national des arts plastiques – CNAP, amb motiu del Barcelona Gallery Weekend, LOOP presenta l’obra de 2016 I Had Nowhere to Go: A Portrait of a Displaced Person (“No tenia on anar: retrat d’una persona desplaçada”), del prestigiós artista visual Douglas Gordon. La pel·lícula és un projecte de noranta-set minuts en els quals se sent la veu en off del cineasta experimental Jonas Mekas, que llegeix diversos fragments de la seva autobiografia de 1991, del mateix títol, mentre la seva imatge apareix intermitentment del buit negre que conquereix la pantalla.

Un altre exemple de la tendència de Gordon a jugar amb les expectatives al voltant de les obres d’imatge en moviment, i també una producció més aviat híbrida, a mig camí entre el videoart i el cinema experimental, I Had Nowhere to Go continua la pràctica de l’artista com a retratista alhora que crea un espai per debatre les fronteres entre disciplines.

Seguint amb l’exploració de les narratives i codis cinematogràfiques com a mitjà per interpretar la realitat abordada a Comment ça va? III, Zumzeig acull una selecció de pel·lícules d’artistes nascuts i residents a França, distribuïdes en ciutats africanes del nord i subsaharianes. Al mateix temps que qüestionen esdeveniments passats i presents o imaginen escenaris futurs, els treballs abasten temes relacionats amb l’etnografia, la descolonització, l’exili i els trastorns polítics, l’explotació del treball i la pèrdua de memòria.

Els artistes seleccionats són: Nicolas Boone –nascut a Lió el 1974, viu i treballa a París; Safia Benhaim –nascuda a França, filla de refugiats polítics marroquins, viu i treballa a París; i Hassen Ferhani, nascut a Alger el 1986.

*Amb la presència dels directors i la comissària.