¨Deseaba ver algo en pleno día, me sentía harto de la complacencia y de la comodidad de la penumbra; sentía un deseo de agua y de aire para el día. Y si ver era el fuego, exigía la plenitud del fuego, y si ver era el contagio de la locura, deseaba locamente esa locura¨

(Maurice Blanchot, La Folie du jour )

Amanece el sol, resplandece la llama de una vela, el pulso eléctrico calienta los filamentos de una bombilla y los proyectores se encienden. El motor de las máquinas va llenando el espacio hasta fundirse con el sonido de la sala contigua, vacía y negra. Los aparatos siguen funcionando ininterrumpidamente, iluminados ahora por la propia luz que expulsan, como antiguas piezas de museo colocadas sobre sus peanas.

Las primeras formas aparecen. Y si ver era el fuego… una incandescencia de luces y de sombras abocadas a extinguirse, verdad preciosa pero pasajera, destellos efímeros. Sus llamas iluminan el mundo, lo alumbran, lo tocan, y al quemar convierten su imagen en cenizas. Metáfora de la mirada fuego, del movimiento incesante de los cuerpos, de las metamorfosis de la visión según la presentan la pareja de artistas. Como una vela. Escribe Georges Didi-Huberman que la imagen arde, y en ella el tiempo se funde, pues “en la imagen es el tiempo quien nos mira”: somos por igual ante los dos.

Luz y tiempo constituyen la materia prima de sus creaciones. La manipulación artesanal de aparatos analógicos y película fotosensible, la consciencia plena del dispositivo y los gestos cinematográficos, determinan la obra, los ritmos y procesos creativos. Se trata de una opción metodológica consciente movida por el deseo de seguir explorando las posibilidades plásticas, los usos poéticos y el potencial crítico de una técnica y una estética consideradas obsoletas en la era digital.

La luz torna el mundo visible. Lo que es perceptible engaña, pero lo invisible apenas existe. Hegemonía de la visión en la cultura moderna. Valentina Alvarado y Carlos Vásquez trabajan los encuadres, interponen filtros y lentes, mecanismos de mediación entre su cámara y las cosas para desnaturalizar la percepción en un intento de renovar la mirada. Desde su anterior proyecto Paracronismos, exploran la posibilidad de pensar, dentro de la imagen, nuestra relación con otro tiempo, o más bien la coexistencia de temporalidades heterogéneas sacudiendo la idea de una sucesión cronológica lineal. La imagen es así una memoria, montaje de estratos superpuestos que irrumpe en un destello, como diría Walter Benjamin, en el instante de ser convocado. Pasado y presente son contemporáneos, como en su propia práctica fílmica.

Presentamos un proyecto de naturaleza experimental que recoge las exploraciones planteadas en Paracronismos I y II junto a una instalación imaginada especialmente para nuestro espacio expositivo. Y si ver era el fuego sugiere así una continuidad natural entre esta sala y la de cine combinando una muestra permanente de cine expandido con sesiones performáticas efímeras a partir de proyecciones en 16mm y S8mm e improvisaciones sonoras. Experiencias distintas pero complementarias que nos invitan a replantearnos las posibilidades mismas del cine y el lugar que ocupamos como espectadoras.

Y si ver era el fuego…

Antecedentes

Entre otras cosas, la llegada de la Covid-19 causó la retirada progresiva de los cuerpos de los lugares de encuentro y sociabilidad entre personas. La necesidad de contrarrestar la amenaza sanitaria provocó la supresión inmediata y radical de libertades básicas, generando un estado de sumisión ciudadana voluntaria en nombre de la salud. El estado de emergencia inesperado puso en evidencia la importancia de los vínculos afectivos y de las redes comunitarias, así como la necesidad del «con-tacto» humano pese a la paradoja del contagio.

A causa de la precariedad difusa y de la total ausencia de sistemas de tutela sociales, estas mismas exigencias se manifestaron en la comunidad artística. Ante el vacío institucional, la única respuesta posible fue la conexión, el acompañamiento, el compromiso mutuo, y la puesta en común de recursos humanos y económicos. Ser «cuerpos abiertos en la comunidad», como decía Merleau-Ponty, individualidades sensibles al entrelazamiento con las otras.

Las crisis suelen tener el efecto de exponer de manera radical problemáticas sistémicas ya existentes, pero después hay que recogerlas y ofrecer soluciones. Mientras en el ámbito artístico las propuestas más inmediatas y sensatas parecen haber nacido gracias a la iniciativa asociativa de las creadoras en sí mismas, ¿Dónde han quedado entonces los otros agentes del ecosistema?

Cuerpos itinerantes (y entrelazados)

Tomando estas reflexiones como punto de partida, esta propuesta tiene el objetivo de reflexionar sobre las posibilidades del trabajo en red y el valor del espacio público como lugar de encuentro. Se convierte en una excusa para generar vínculos profesionales y una plataforma de reflexión compartida. Por esta razón, se dirigió a las residentes de Hangar y La Escocesa (espacios de residencia ubicados al barrio de Poblenou), con la voluntad de propiciar momentos de intercambio y una metodología de trabajo en común.

Pero «¿qué significa ser cuerpo?» Vinculándose con la temática general de esta edición del Festival, las propuestas de Valentina Alvarado Matos y Carlos Vásquez Méndez, Laura Arensburg, Julia Calvo, Natalia Carminati y Daniel Moreno Roldán, Citlali Hernández y Nuria Anida, Comité Queer, Pedro Torres i Paula Serrano nos hablan de cuerpos expuestos, conectados, pixelados, atravesados por el tiempo; de corpor(e)alidades disidentes, dependientes, porosas y poderosas. Cuerpos que miran y son mirados, que atraviesan la ciudad y nos son atravesados. ‘Cuerpos Itinerantes’ y inmancablemente entrelazados.

Las diferentes propuestas se presentarán con dos emplazamientos en el espacio público: el primero, coincidiendo con la inauguración del Festival el día 9 de noviembre, tendrá lugar en los Jardines de Rubió y Lluch; el segundo, el día 12 de noviembre en la Plaza Joan Coromines.

El artefacto móvil que acompañará las propuestas ha sido concebido durante el taller ‘Artefactos móviles y Cuerpos itinerantes’, organizado en colaboración con EINA – Centro de Diseño y Arte de Barcelona, y con la participación de los estudiantes Irene Anglada Espadaler, Rafael Cribillés Alba, Gio Galindo («Grupo Octubre»); Mercedes Almeida, Maria Bei Bellsolà López, Andrea Fernández Camps, Maria Verdù; Elisabet Callén Artola, Julieta Italiano, Felipe Román Osorio, Lucía Trigo González.

El prototipo presentado por el «Grupo Octubre» fue el proyecto seleccionado. Pense (Jefe de construcción de Hangar.org) se encargó de la adaptación y construcción del dispositivo. El artefacto ha estado co-producido en colaboración con Hangar.org.