On Lines es una colaboración audiovisual en directo entre la música experimental iraquí Dania Shihab y el cineasta chileno Carlos Vásquez Méndez, en la que exploran el concepto de la línea como límite perceptivo y umbral simbólico. La colaboración indaga la historia de la línea, entendida cómo un paisaje imaginario que no se compone de objetos o superficies, sino de movimientos y quietud. Una línea como conducto, frontera, como camino que trazamos al recorrer terrenos y dejar nuestra huella indeleble. Un camino trazado por cuerpos e historias. Shihab y Vásquez Méndez exploran el paisaje como una malla de senderos entrelazados a lo largo de los cuales se vive la vida y, a su vez, de tierras que están limitadas por sus fronteras.

Entendiendo la línea como una partitura, o una forma de notación y traducción de lo visual a lo sonoro donde se indican direcciones, tendencias o predisposiciones, Vásquez Méndez teje una red de signos, dibujos y líneas de luz inspirados en el paisaje sonoro propuesto por Shihab, estableciendo una conversación entre dos lenguajes diferentes (imágenes y sonidos) que, a pesar de sus diferencias, logran una comunicación sensible que converge justo en la frontera, entendiendo esta no solo como un contorno a cada lado, sino también como un punto de encuentro.

Durante la actuación, Shihab creará una improvisación en directo utilizando diversas técnicas, como la síntesis granular y la manipulación de grabaciones de campo, el estiramiento del tiempo y la manipulación de bucles de cinta, para formar un paisaje sonoro que interprete la obra visual de Vásquez Méndez en tiempo real, quien entrelaza diferentes bucles de película que contienen líneas, horizontes y caminos que, a medida que se proyectan, superponen capas de conceptos y significados que conectan lo estético con lo político, en una especie de línea temporal discontinua e intrincada.

Accidente, de Helena Vinent, es la última exposición del ciclo del Espai 13 Nos acompañaremos cuando anochezca, a cargo de Irina Mutt.

Helena Vinent propone una experiencia de tensión entre la accesibilidad y el deseo de gozar, provocando que el acceso a los espacios museísticos se subyugue a un pacto que transforma la forma en que transitamos por esos entornos.

El Espai 13 se convierte en un espacio donde las personas discas* dejan de ser sujetos pasivos para transformarse en un accidente que sacude el orden capacitista establecido.

Combinando imagen, texto y sonido, voy raspando la hoja y la voz es un relato personal fragmentado que piensa en cómo la memoria del paisaje se desplaza, viaja de ida y vuelta. Pero que también pone el acento en cómo ciertos paisajes se representan, se han descrito o se tergiversan desde otros lugares. La pieza busca convertirse en un viaje —o más bien un paseo— por un lugar que es territorio, jardín, parque, bosque, charco, tierra, pero también lenguaje.

Valentina Alvarado Matos es una artista cuya práctica se centra en la imagen en movimiento atravesada por una mirada que reflexiona sobre la diáspora, el paisaje y el gesto. Sus piezas se han exhibido en destacados festivales de cine, como el de Pésaro, el de Viena, Los Angeles Filmforum o l’Alternativa, y ha sido artista residente en Hangar, La Escocesa, The Liaison of Independent Filmmakers of Toronto y Matadero Madrid, entre otros.

Algunos de sus films forman parte del catálogo de la distribuidora Light Cone y del Archivo XCèntric. Su trabajo ha sido incluido en el libro Remains-Tomorrow: Themes in Contemporary Latin American Abstraction, de Cecilia Fajardo-Hill. A inicios de 2024 inauguró en Barcelona, junto a Carlos Vásquez Méndez, el otro aquí, una exposición en La Capella, y totalmente rostro, que funciona como un reverso de el otro aquí, en La Virreina Centre de la Imatge. Combina su práctica artística con la docencia y ha impartido clases y talleres en lugares como La Massana, la Universidad de Barcelona, la Universidad del Zulia (Venezuela) y la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños (Cuba)

Una característica indispensable en los laboratorios de cine analógico es hacer comunidad, y a través de esa red es donde ocurren los flujos de información, de conocimiento y de creatividad. Un caso muy claro de ello es Sweet Seventeen, una pieza de cine Expandido sobre filmar, colorear y difuminar la percepción, que nace de la conexión entre Joyce Lainé y Lucie Leszez, dos artistas que habitan dos laboratorios de cine analógico, dos universos que han acortado los kilómetros de distancia entre el Atelier MTK y L’Abominable para encontrarse en la esencia del expandido, que es el directo.

Este programa tiene el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E).

Tres miradas que convergen en un eje común, el cine analógico. En tres de los más de sesenta laboratorios autogestionados existentes en todo el mundo, se suceden múltiples experiencias que pasan por la propia gestión del espacio, el pro común y los procesos comunitarios, por la gestión del trabajo en equipo, el intercambio de conocimientos e información, en espacios donde la particular materialidad de las cosas es un elemento indispensable, y todo esto iluminado por las diversas expresiones artísticas y estéticas que brotan enérgicamente en estos contextos tan especiales. Lichun Tseng del lab Filmwerkplaats de Rotterdam, Joyce Lainé del lab Atelier MTK de Grenoble, Lucie Leszez del lab L’abominable de Paris nos comparten su mirada junto a Glória Vilches, coordinadora de Xcèntric.

Lichun Tseng del lab Filmwerkplaats de Rotterdam, laboratorio cinematográfico gestionado por artistas de la WORM. Un espacio de trabajo dedicado a la práctica del bricolaje analógico, dirigido a artistas interesados en el cine como medio expresivo y físico. Filmwerkplaats forma parte de una red más amplia de laboratorios gestionados por artistas en Europa y funciona como centro de nuevos experimentos y debates en torno a la creación fílmica. Nuestro programa de proyecciones abarca una amplia gama de temas, mostrando obras de miembros y cineastas invitados a lo largo de todo el año. Creemos en la promoción de todo el potencial del medio, y siempre buscamos explorar las posibilidades del cine como material performativo y táctil.

Joyce Lainé del lab Atelier MTK de Grenoble. L’ATELIER MTK, fundado en 1992 por un grupo de cineastas, es un laboratorio cinematográfico artesanal equipado para trabajar con película de 16 mm. Dedicado a la formación y desarrollo artístico en el contexto de cine analógico, con especial interés en el trabajo de autor y en la inclusión de todos los elementos del proceso (cámara, impresión, revelado de la película, montaje, sonido, proyección) como partes del desarrollo creativo de las piezas fílmicas.

Lucie Leszez del lab L’abominable de Paris. L’Abominable es un laboratorio cinematográfico gestionado por artistas ubicado cerca de París desde 1996. Se trata de unos de los laboratorios más equipados con capacidad para abarcar todos los procesos y formatos del contexto del cine analógico. Con una mirada atenta hacia la autogestión del espacio por parte de lxs artistas, favoreciendo así que el proceso creativo sea el elemento principal y pueda expandirse libremente por el espacio.

Lichun, una de las fundadoras del laboratorio autogestionado Filmwerkplaats de Rotterdam, Joyce Lainé, impulsora de la nueva generación del lab Atelier MTK de Grenoble y Lucie Leszez integrante del lab L’abominable de Paris, se encuentran en el Hall de l’Alternativa, junto con Glòria Vilches, coordinadora de Xcèntric, para compartir sus experiencias, sus fragilidades y sus satisfacciones en el amplio recorrido de estos tres laboratorios de referencia del panorama expandido internacional.

La propuesta que planteamos en nuestro triángulo curatorial entre l’Alternativa Hall, Zumzeig y Festival LOOP está configurada por dos directos de Cine Expandido, uno de los cuales estará acompañado del músico Robert Kroos, un visionado de piezas en 16mm y una conversación de intercambio de experiencias.

Programa

16/11/2023, 18h
3 Laboratories, 3 Experiences, Multiple Perspectives (conversación)
Participantes: Lichun Tseng, Joyce Lainé y Lucie Leszez
Moderadora: Glòria Vilches

16/11/2023 20.30h
Lichun Tseng & Robert Kroos, Ebb and Flow (cine expandido)

17/11/2023, 19h
L’Abominable, Filmwerkplaats, MTK, 3 Laboratories, 3 Experiences, Multiple Perspectives (proyección)

17/11/2023, 20.30h
Joyce Lainé & Lucie Leszez, Sweet Seventeen (cine expandido)

Este programa tiene el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E).

Ebb and Flow is inspired by the I-Ching, the book of change, Chapter 42 – Yi (Increase). Yi is a message about expansion and fullness. It is simply another cycle of life as it flowers, decays, and achieves rebirth. Ebb and flow, darkness and light, life and death… ‘What is’ springs from ‘what is not. Lichun and Robert use 16mm film projectors and analog generated waveforms to create an immersive, trance-inducing journey. Through layering, constructing, and deconstructing visual and auditory textures they strive for a sense transcending experience where the spectator is no longer consciously watching nor listening. Just being.

Este programa tiene el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E).

Un conjunto de campos visuales y sonoros abstractos crean una experiencia estética fundamentada en la materialidad del celuloide y de las oscilaciones de ondas en diferentes medios. Las difracciones de la luz solar en el agua y la síntesis del color y la luz se unen a un sonido hipnótico y envolvente para llevar a esta obra abstracta de pasajes poéticos e intrigantes a una manera particular de percibir el cine.

La exposición presenta por primera vez la serie completa de once películas de animación Drawings for Projection, una serie que el artista inició en 1989 y que le dio a conocer internacionalmente en el mundo del arte. Kentridge terminó City Deep, el undécimo film del proyecto, durante el confinamiento y puede verse por primera vez en Europa en la muestra del CCCB.

Los once cortometrajes de la serie constituyen una crónica crítica de la historia sudafricana desde el apartheid hasta el presente. Drawings for Projection son piezas realizadas con una artesanal y laboriosa técnica de animación. Kentridge crea dibujos con carboncillo y pastel que modifica borrando, añadiendo y volviendo a trabajar los elementos. Filma cada estadio del proceso y lo modifica continuamente, a veces dejando en la hoja «restos fantasmales» de las marcas previas. Kentridge visualiza, de este modo, el paso del tiempo y la estratificación de la memoria, uno de los temas principales de su obra.

More Sweetly Play the Dance, friso audiovisual en movimiento

Otra de las obras más representativas del arte y el proceso creativo de William Kentridge que puede verse en la exposición es More Sweetly Play the Dance, un espectacular friso en movimiento de casi cuarenta metros de largo y ocho pantallas donde se evocan las dinámicas de una procesión ritual, de una manifestación de desposeídos, de un flujo de refugiados escapando de una crisis o de una danza medieval de la muerte.

La pieza supone una de las más abrumadoras manifestaciones de la vertiente más coral y coreográfica de la obra de Kentridge, un trabajo que diluye fronteras entre la instalación artística y las artes escénicas, donde los diferentes lenguajes que domina el artista se combinan de forma orgánica e hipnótica. Estará en la Sala 2 del CCCB hasta el 17 de enero, y después podrá verse en el espacio PLANTA de la Fundació Sorigué, cerca de Balaguer.

El universo creativo de Kentridge en dibujos y tapices de gran formato

En «William Kentridge. Lo que no está dibujado» también podemos ver siete dibujos en papel que atestiguan el laborioso proceso creativo de las películas de Drawings for Projection y una selección de nueve tapices de gran formato, que el artista realiza en colaboración con el Stephens Tapestry Studio de Johanesburgo, taller local que da trabajo a mujeres de la zona.

Los tapices presentan siluetas oscuras, figuras muy identificables que van apareciendo a lo largo de la obra de Kentridge. Muestran imágenes de personas que llevan cargas (refugiados, manifestantes, peregrinos), que para el autor simbolizan las crisis, las guerras y los problemas que asolan Sudáfrica y el resto del mundo.

Espacio de reflexión acerca del poder y los márgenes de exclusión

Con esta exposición, el CCCB no solo quiere profundizar en la obra y la trayectoria artística de un creador fundamental, sino también plantear reflexiones acerca de los retos del poscolonialismo y la dialéctica entre el poder, los márgenes y la exclusión en la actualidad.

Las creaciones de William Kentridge hacen referencia a su ciudad de origen, Johannesburgo, a la historia de Sudáfrica y el apartheid, pero, sobre todo, tocan cuestiones universales: la naturaleza de las relaciones humanas, la memoria, la dominación y la culpa o la disección del poder.

«William Kentridge. Lo que no está dibujado» es una adaptación ampliada de las exposiciones «William Kentridge – If We Ever Get to Heaven» (2015) y «William Kentridge: Ten Drawings for Projection» (2019), diseñadas y presentadas en el Eye Filmmuseum (Ámsterdam) y comisariadas por su director de exposiciones Jaap Guldemond, con la colaboración de Marente Bloemheuvel.