(Somewhere between) The Wind and the Dove reúne una obra de video de larga duración y un cortometraje, presentados en el espacio facetado de la Fundació Enric Miralles. ¿Qué es el viento sin algo que se mueva para hacerlo visible? ¿Cómo puede volar la paloma sin el viento que eleve sus alas? La obra de Lenka Clayton y Phillip Andrew Lewis (Reino Unido/EE.UU.) y la película de Xavier Marrades (Cataluña) acercan lo internacional a lo local y nos recuerdan temas atemporales y modos de atención, cuidado y memoria. Cada obra, de formas distintas, establece una relación con la lógica estética y estructural de EMBT y la Fundació Enric Miralles. Una relación es la razón de ser de la fundación, y este espíritu se refleja en la práctica y los temas (respectivamente) de estas dos obras, presentadas no como un programa ni una exposición, sino como una pareja.

The Wind, 2024

Lenka Clayton, Phillip Andrew Lewis (Reino Unido y EE.UU.)

77 min

Vídeo HD de canal único con sonido

Encargado por The Pittsburgh (EE.UU.) Cultural Trust

Mezcla y masterización de sonido: Simon Keep

Cucli, 2016

Xavier Marrades (Cataluña)

16 min

Dirección: Xavier Marrades. Dirección de fotografía: Oriol Colomar, Xavier Marrades. Montaje: Xavier Marrades. Operador de dron: Pol Thomas Ferrero. Colorista: Enya Rodríguez. Producción: Xavier Marrades, Nanouk Films. Productor ejecutivo: Jerome Thelia, Oriol Colomar. Sonido: Sergi Nogué, Alejandro Castillo. Diseño gráfico: Giovanni Jubert.

The Wind es una obra de video de larga duración compuesta por aproximadamente 1,400 clips encontrados y recopilados de la historia del cine (dramas de espías, comedias románticas, westerns, etc.), cada uno mostrando la fuerza invisible del viento. En la mayoría de los escenarios, el viento no es el “protagonista” de la escena, sino que anima el fondo. En esta película, sin embargo, el viento se convierte en el centro de atención, mostrando todo lo que toca—dándole forma al ondear la ropa en el tendedero, mover la hierba en el campo, hacer girar veletas, rodar plantas rodadoras o mover las ramas de un árbol.

Frecuentemente, las imágenes del viento en películas pueden señalar un tono emocional o predecir un giro ominoso, también puede usarse como pausa o transición temporal. En The Wind, estos momentos acumulados ganan intensidad de acuerdo con la escala de viento de Beaufort, progresando desde plantas que apenas tiemblan hasta un tornado devastador que arranca un edificio de sus cimientos.

Desde fragmentos de medio segundo hasta varios segundos, los clips se presentan con su sonido original, acompañado de la presencia del viento. Cada fragmento resonante—un grito, el golpe de una puerta de auto, diálogos en varios idiomas—genera cientos de tangentes narrativas, creando un poema concreto, un collage de sonidos encontrados. La experiencia de atender a una presencia invisible invita a una nueva forma de conciencia, acercándose a un estado meditativo mientras The Wind se mueve a través del tiempo y el espacio.

Cucli es un cortometraje y un retrato íntimo de una relación entre especies, ambientado en Cervera (Cataluña), el pueblo natal del artista. Es una película sobre la confianza: entre un hombre y un ave, pero también, implícitamente, entre el artista y sus sujetos. Según el artista, a pesar de la abundancia de palomas en la región, las tórtolas son bastante raras. Esta criatura cargada de simbolismo—símbolo internacional de la paz—apareció en la vida de un pariente lejano del artista, Ramón, tras la muerte de su esposa y lo acompaña en sus trayectos de camión de largo recorrido desde el este de España hasta Portugal y de regreso.

Cucli cuenta una historia con múltiples capas sobre el poder transformador del amor y la compañía. “Desde que llegó la tórtola, veo la vida de otra manera”, dice Ramón en la película. “He cambiado radicalmente.” También invita al espectador a reflexionar sobre sus propias creencias sobre la reencarnación, la intervención divina y el proceso de sanar después de una pérdida.

La instalación Sections/EMBT  exhibe sonidos de grabaciones de campo procedentes de cuatro proyectos seleccionados de EMBT: el Mercat Santa Catarina, el Cementerio de Igualada, el Centro Kálida Sant Pau y la escultura Heaven. Estos representan diferentes escalas, contextos, espacios y materiales, simbolizando la vida, la ciudad, el paisaje y la muerte.

Las grabaciones de campo han sido procesadas artísticamente por el arquitecto y artista Gisle Nataas y convertidas en una instalación en la que todas las capas se mezclan en una compleja composición Sonora. La instalación representa un momento en el tiempo, escala y lugar, y simboliza la vida, los seres humanos, el material y las historias únicas. Los sonidos definen la intangibilidad del proyecto EMBT en términos de sonido, interpretación y asociación para el público.

El 13 de noviembre a las 19h tendrá lugar una actuación en EMBT con Gisle Nataas (electrónica) y Julio César Palacio (electrónica).

Actualmente dedicamos una media de 3h y 43 minutos diarios a nuestros dispositivos móviles, con un total de 2h y 27 minutos de scroll a los varios canales de las redes sociales. A diferencia de nuestra presencia en los canales convencionales de comunicación convencionales, donde solíamos ser únicamente consumidores de contenido, en las redes sociales a menudo también somos creadores. Este perfil de espectador virtual, que ha tomado especial importancia en los últimos años debido a la acelerada expansión de Internet, es lo que Alvin Toffler definió en 70 como prosumer.

El prosumer consume y produce simultáneamente mientras las redes sociales almacenan horas y horas de contenido. Imágenes, vídeos o audios que, bajo la mirada de marcas y/o multinacionales, mercantilizan nuestras experiencias vitales en el mundo virtual, convirtiéndolas en cultura popular fácilmente devorable. Un círculo vicioso que nos alimenta y a la vez nos arrastra a dedicar parte del tiempo diario a nuestra presencia virtual.

quality time | GRWM es la primera parte de una pieza de 3h y 43 minutos, que investiga este fenómeno a partir de audios de internet y footage propio del artista, recreando el tiempo que invertimos a nuestro yo online. En esta primera parte de 30 minutos de duración, Clàudia del Barrio nos invita a consumir un Get Ready With Me (GRWM); un ritual en el cual influencers comparten los primeros instantes del día con sus seguidores. Estos videos, que se retransmiten en directo, han pasado a ser espacios virtuales donde también se comparten momentos de intimidad que pueden implicar temas suficientes importantes como la salud mental. Indagando en estos espacios, pues, la artista también reflexiona sobre la banalización de contenido sensible.

Mediante los confinamientos y el distanciamiento social, la pandemia global estableció un proceso global de descorporización de nuestra relación con el espacio urbano y la vida social que perturbó profundamente nuestra condición física de urbanitas. Ahora, en el mismo momento en el que se trata de reinstaurar una “normalidad”, la presente exposición propone un cuestionamiento crítico de nuestra experiencia corpórea individual y colectiva del espacio urbano. El reciente calvario colectivo de la crisis sanitaria, que tuvo el efecto de privar, restringir, constreñir y limitar nuestra libertad de movimiento y de comportamiento, resaltó hasta qué punto el hecho de ser un urbanita, antes que una cuestión social y política, es, ante todo, una condición física – vivir juntos, el uno al lado del otro, en un estado de proximidad, incluso de una paradójica intimidad anónima.

Este programa explora las múltiples facetas del cuerpo urbano, revelando cómo nuestros cuerpos, en sus rutinas y rituales diarios, son la expresión de un entramado constante de problemáticas físicas, sociales, culturales y políticas. Esta exposición está compuesta en torno al proyecto a gran escala Homo Urbanus. A city- matographic odyssey [Homo Urbanus. Una odisea ciudad-matográfica] del dúo de vídeo artistas Bêka & Lemoine. En diálogo con esta vídeo instalación, el programa también proyecta algunas películas producidas por el Laboratory for Sensitive Observers, un estudio de diseño de March dirigido por Bêka & Lemoine junto con Gili Merin en la escuela de arquitectura de la asociación de arquitectos AA de Londres. Concebido como un proyecto de investigación colectivo basado en las películas de Bêka & Lemoine, el objeto del estudio es retratar el Homo Urbanos actual a escala global.

Laboratory for Sensitive Observers

Chak Hin Leung, Jugaad, 2020

Matthew Ho, Urban Nomadism, 2020

Christopher Ioannou, Anatomy of a city, 2020

Nikola Miloradovic, Homo Mobilis, 2021

Caterina Miralles Tagliabue, Lon(don)liness, 2021

Aijie Xiong, A dissolving rurality, 2021