La improductividad, la inmovilidad, la pérdida, los tiempos de transición y los de clausura son algunos de los temas que Camila Cañeque trabajó. Su producción artística, desarrollada a lo largo de doce años desde 2012, se expandió en cinco campos creativos: la performance, la instalación, la fotografía, el arte objetual y la escritura. De todo ello constituye una buena muestra esta exposición, que ofrece al público una selección representativa de sus obras, entre las cuales tiene especial relevancia el vídeo de performance. Recuperando un antiguo proyecto esbozado para La Capella, ponemos el foco en la producción de Cañeque, una de las artistas más singulares de su generación, porque, como ella misma escribió, ninguna página será la última.

Camila Cañeque (Barcelona, 1984-2024) investigó el cansancio de nuestros paisajes contemporáneos a través de proyectos de performance, instalaciones, objetos y textos. Mediante un uso figurativo del vocabulario de las sociedades de consumo y composiciones más abstractas, su práctica artística es una oda a la inactividad, una cara B de nuestros tiempos acelerados e hiperconectados en la que abundan el silencio, la quietud y lo deshabitado, lo que revela un agotamiento multifacético, una resaca tanto histórica como física, política y medioambiental.

Expuso o performó sus obras en espacios como la Galeria Vermelho (São Paulo), la Microscope Gallery (Nueva York), The Kitchen (Nueva York), el Kulturhuset Museum (Estocolmo), CaixaForum (Barcelona), la Galeria Joan Prats, La Virreina Centre de la Imatge, la Lucía Mendoza (Madrid), el Glasshouse Project (Nueva York), el Queens Museum (Nueva York), el Museo Lázaro Galdiano (Madrid) y La Juan Gallery (Madrid), entre otros. Participó en residencias en centros como el Mana Contemporary (Nueva Jersey), la Nida Art Colony (Lituania), la NauEstruch, Fabra i Coats: Centre d’Art Contemporani de Barcelona, el Largo das Artes (Río de Janeiro) o el Zentrum für Kunst und Urbanistik – ZK/U (Berlín). Obtuvo la beca de investigación CREA del Institut de Cultura de Barcelona, fue finalista del premio Miquel Casablancas y ganó la beca Exchange de Homesession.

Impartió talleres y dio charlas en la Universidad Estatal de Nueva York (SUNY), en la Universidad Pompeu Fabra, en Can Felipa y en otras instituciones. Su trabajo ha sido reseñado en publicaciones como Artsy, OFFICE Magazine, Hyperallergic, The Journal, BOMB, El País, La Vanguardia, El Periódico de Esen o el compendio Emergency Index, publicado por Ugly Ducking Presse.

Entre sus escritos destacan dos textos realizados para proyectos de La Capella: “El motor inmóvil”, para Otra luz cegadora, de Diego Paonessa, y “Correspondencias simbólicas entre folklore católico y música mákina en el casco antiguo de Barcelona”, para el proyecto del mismo título de Marc O’Callaghan. Es autora de los artículos “Los olvidantes”, publicado en el volumen colectivo Olvidar/Forgetting (Brumaria); “Compartir intemperie”, en Jot Down, y “Bach, bachata”, en Oral, así como del ensayo La última frase (La Uña Rota, 2024).

The Stone Monkey es una obra desarrollada a través de dos formas de narrativa multimedia: un tráiler de vídeo en CGI y un entorno de realidad virtual navegable. Relata el viaje de un pequeño mono que de repente presencia cómo ciertas partes de su cuerpo experimentan un lento proceso de petrificación sin motivo aparente y se embarca en un viaje que inicia su curación. La obra forma parte de Second Order Reality, un proyecto que concibe la creación de una obra en forma de videojuego inspirada en el texto La Tentation de Saint Antoine de Gustave Flaubert. El interés en el libro se deriva de la descripción de los estados alucinatorios repetidos experimentados por su protagonista, San Antonio Abad. Estos estados liminares pueden asociarse, en algunos aspectos, con experiencias virtuales en las que la percepción del cuerpo y del entorno circundante se presentan de forma alterada. La historia resultante también surge de una colaboración con un grupo de niños a través de talleres y explora el potencial de lo virtual para involucrar al visitante en una experiencia perceptual híbrida.

The Impersonal Verb and the Hidden Subject (El verbo impersonal y el sujeto oculto) pone en práctica la metodología institucional de Index, ofreciendo a La Capella una forma de trabajar con la práctica artística y las audiencias basada en el deseo de conectar situaciones, abordar la complejidad y experimentar con temporalidades. El punto de partida de la exposición es una mesa de trabajo que presenta material de archivo y una selección de obras de video con las que los visitantes y el equipo de La Capella pueden interactuar. El espacio de la exposición se define a través de piezas escultóricas de Johanna Gustafsson Fürst.

El equipo de La Capella se relacionará con el material presentado y formulará diálogos con artistas de Barcelona que trabajan en campos paralelos. La tipología de las obras de arte que se presentarán en la exposición ha sido definida a través de un diálogo continuo entre La Capella e Index, comprendiendo las formas de actuación en el contexto artístico de Barcelona y cómo relacionar estas formas de actuación con los practicantes del arte en Estocolmo. La exposición se entiende como una situación de trabajo para reflexionar sobre conexiones, alimentación, lenguaje, gramática y posibles diálogos. The Impersonal Verb and the Hidden Subject se refiere a acciones que se realizan, miradas y procesos que se comparten en tiempo real.

¡Qué angustia! ¡Qué alivio! El Instituto del Tiempo Suspendido (ITS) abre su primera sede física en La Capella. Para todxs aquellxs que sientan la angustia del tiempo, para todxs aquellxs que necesitan aliviar su salud temporal.

No es una broma, aunque podemos reírnos. Hablamos de lo más serio, lo más grave que nos pasa en la vida: “no tener tiempo” (“La vida no me da”, decimos, “para cuidar de verdad a mi madre a mis amigxs a mi padre a mis hijxs, no me da para lo que querría hacer antes de morir”). O, para ser más exactos, más políticos, lo que nos pasa es que hemos naturalizado un régimen temporal que nos enferma: en el ITS lo llamamos “crononormatividad” y esta tiene que ver actualmente con la hiperproductividad íntima, profesional y social.

… no se trata de oponer, a esta hiperproductividad, lo que se llama “pereza” u “ociosidad”. Estamos hablando de contestar un sistema, todo un régimen temporal, y por ello hay que oponer a la “crononormatividad” eso que llamamos “cronodiversidad”, es decir, otra sensibilidad temporal que escapa a las normas relativas al tiempo…

El Instituto del Tiempo Suspendido se fundó en el Laboratorio 987 del MUSAC (León) y se concreta hoy, en esta sede de Barcelona, como una colaboración entre el Festival LOOP y La Capella. Pensado y performado como un proyecto a medio camino entre el arte y la filosofía, la política y la poética, el ITS trata de suspender el régimen temporal que nos domina, robando todo el tiempo expropiado por la aceleración del trabajo y las redes, el tiempo expropiado por el consenso temporal que rige nuestras vidas.

… porque el consenso temporal lo invade todo, no solo el ámbito laboral, sino la vida entera… dime, si no, dime… ¿cuándo te besaste por primera vez? ¿A qué edad quisiste tener trabajo? ¿Cuándo toca tener hijos y por qué? Y también, cotidianamente: ¿a qué ritmo amas? ¿En qué tiempo vives? ¿Y cuándo fue la última vez, si la hay, que hablaste sinceramente sobre tu relación con el tiempo?

Entra, entra en esta sede del Instituto del Tiempo Suspendido… te estamos esperando desde hace días, meses, desde hace siglos… y tú a nosotros, ¿también nos estabas esperando?

La artista María Alcaide (Aracena, Andalucía, 1992) no nos habla simplemente de carne: nos cuenta sobre su carne. De su propia experiencia, de su pasado, presente y futuro.

A lo largo de la video-narración Carne de mi carne: Entraña (2021), la artista procesa y digiere los símbolos y las imágenes propias del contexto en que ha nacido y crecido. Un relato a través del cual corta y ensambla sus vínculos más cercanos. La relación con su hermano, sus padres y su familia se solapa a una investigación más amplia sobre el feminismo, el mundo rural y la desigualdad de género.

Cuando hablamos de carne hablamos de cuerpo e, inevitablemente, de nuestras vivencias. Hacer referencia a la experiencia personal significa aludir a la relación con nuestro entorno y con aquel entramado genético que nos vincula los unos a las otras.

El sábado 20 de noviembre, a las 12h, La Bonne – Centre de Cultura de Dones Francesca Bonnemaison acogerá la presentación del proyecto. La artista María Alcaide, la Tija Wige y la pareja curatorial Alterdúo (Marco Tondello y Arianna Esposito) hablarán de cuerpo, desigualdad de género y de las transformaciones que el mundo rural está sufriendo actualmente. Cada uno abordará dichas cuestiones desde su experiencia, aportando su personal punto de vista, con el objetivo de entablar un diálogo que recoja diferentes voces.

Producido en el marco de programa Apoyo a la creación de “la Caixa”