Con siete vídeos cortos realizados por artistas de todo el continente americano, Hechizos sobre la tierra pone de relieve la trascendental relación de la humanidad con la tierra. Cada una de las piezas de este programa evoca los imaginarios sociales y políticos de la tierra, la conciencia de la inteligencia animal y la poética de la protesta y el juego.
Programa:
Paul Kos. Ice Makes Fire, 2004. 2:53 min
Ana Vaz. Atomic Garden, 2018. 7:34 min
Elena Damiani. Intersticio, 2012. 5:26 min
Colectivo Los Ingravidos. Coyolxauhqui, 2017. 9:46 min
Minia Biabiany. Learning from the white birds, 2021. 5:58 min
Beatriz Santiago Muñoz. La Cabeza Mató a Todos, 2014. 7:33 min
Camilo Echeverri. El mato, 2023. 6:23 min
Esta es la primera exposición retrospectiva en el Estado español de Daniel Steegmann Mangrané, nacido en Barcelona en 1977 y establecido en Río de Janeiro hace dos décadas. Un lugar, asegura el artista, que le pone en contacto de un modo constante y directo con las urgencias del mundo contemporáneo, ya sean ecológicas, políticas o sociales, temas que atraviesan toda su obra.
Interesado en explorar la compleja interdependencia de la organicidad del mundo y la acción humana, Steegmann centra su mirada en el hábitat selvático del Amazonas. Incorpora también el marco teórico del reconocido antropólogo Eduardo Viveiros de Castro, que rompe la falsa dicotomía entre realidad humana y mundo animal, resituando con ello la idea de que formamos parte de un equilibrio compartido e incorporando el paradigma del perspectivismo amerindio.
Con un lenguaje estético cercano al neo-concretismo, el artista explora la contaminación y afinidad de formas entre naturaleza, arte y arquitectura. Tanto en sus esculturas—de extrema fragilidad y que incorporan material orgánico intervenido, como en sus proyecciones y creaciones de realidad aumentada, Steegmann Mangrané experimenta con las correspondencias entre formas orgánicas y geométricas, y con la compleja red de dependencias que se dan en el orden biológico.
La exposición reúne dibujos, pintura, fotografías, esculturas, películas e instalaciones desde finales de los noventa hasta hoy. La exposición se acompaña de un libro de artista, en el que Steegmann Mangrané plantea un ciclo visual circular que comienza con las primeras obras del artista y avanza hacia el presente, para regresar al pasado, con intervenciones en collage en estas y otras obras. La publicación es una coedición junto al Museum of Contemporary Art Kiasma de Helsinki y la editorial de libros de artista BOM DIA BOA TARDE BOA NOITE de Berlín.
Este programa reúne una serie de obras de vídeo realizadas por Black Quantum Futurism (BQF) entre 2017 y 2021. Con sede en Filadelfia (Estados Unidos), BQF es una práctica creativa interdisciplinar entre Camae Ayewa y Rasheedah Phillips que, a través de diferentes lenguajes y medios, propone nuevas interpretaciones del tiempo y del espacio, cuestionando así las limitaciones del tiempo lineal.
PROGRAMA:
Time Travel Experiments, 2017 (9min 30seg)
Este vídeo presenta una serie de experimentos de viaje en el tiempo DIY a partir de un manual de viajes en el tiempo incluido en el libro de ficción especulativa Recurrence Plot (and Other Time Travel Tales), escrito y publicado por Rasheedah Phillips. Los experimentos de viaje en el tiempo representados emplean el concepto ‘The Black Grandmother Paradox‘, que hace hincapié en las líneas temporales matrilineales o matri-curvadas que son femeninas y generadas comunitariamente, donde el futuro emerge en el pasado por medio de presagios, profecías y símbolos, mientras que el pasado es un espacio de posibilidad abierta, especulación y revisión activa por parte de múltiples generaciones de personas situadas en el futuro relativo. El vídeo ha sido escrito y dirigido por BQF, rodado y editado por Bob Sweeney.
Black Space Agency Training Video, 2018 (4min 9seg)
Con motivo del 50 aniversario de la promulgación de la United States Fair Housing Act, Black Space Agency Training Video explora los imaginarios cronopolíticos de los movimientos de Derechos Civiles y de Liberación Negra durante la carrera espacial, particularmente como se desarrolló en el norte de Filadelfia en 1968. La serie sigue la pauta de los enredos en la lucha por la vivienda asequible y justa, el desplazamiento/acaparamiento de espacios/tierras y la gentrificación para comprender mejor sus implicaciones actuales en la autonomía espacio-temporal de los negros.
All Time is Local, 2019 (5 min)
Como la política y el clima, todo el tiempo es local. Considerando la íntima relación del tiempo con el espacio y la localidad, este proyecto continúa el trabajo de BQF en la recuperación y amplificación de la memoria histórica de los espacios-tiempos comunales negros autónomos en el norte de Filadelfia, meditando sobre los complejos y controvertidos legados temporales y espaciales de los históricos proyectos futuristas negros liberadores basados principalmente en el norte de Filadelfia -como Progress Aerospace Enterprises, Zion Gardens y Berean Institute.
Write No History, 2021 (15min 34seg)
Write No History es un cortometraje especulativ en tres partes que presenta imágenes encontradas y de archivo de The Temporal Disruptors, miembros de una antigua sociedad secreta de científicos, sanadores y escritores negros, retratados en distintos momentos de la historia en una de sus logias de reunión, la Hatfield House de Filadelfia, realizando rituales de enterramiento y desenterramiento de cápsulas de tiempo cuánticas que contienen herramientas, mapas, relojes y códigos como tecnología para hackear las líneas de tiempo colonizadas. Write No History está dirigida y producida por BQF con el cineasta Bob Sweeney. Entre los disruptores temporales destacados se encuentran: Dominque Matti, Iresha Picot, Marcelline Mandeng, Vernon Jordan III, Angel Edwards, Vitche-Boul Ra, Sheena Clay, Camae Ayewa, Alex Farr, Rodnie King y Riot Dent.
El termino Hakai, significa en japonés «destrucción»; pero para la cultura japonesa, la destrucción es el punto de partida para mejorar las cosas y reconstruir. La música DUB, un subgénero del Reggae donde predominan los ecos, efectos electrónicos y repeticiones sobre otros sonidos, se origina en Jamaica a partir de un error de un ingeniero de sonido que olvidó registrar la pista vocal sobre la instrumental. En ‘HAKAI DUB’, la artista se une con la bailarina Erika Miyauchi para compartir su búsqueda sobre los límites de la composición en tiempo real a partir de música DUB.
Entrada gratuita, lugares limitados
Mascarilla 19 – Codes of Domestic Violence, es el primer proyecto llevado a cabo por la Fondazione In Between Art Film, que ha tomado la forma de ocho nuevos vídeo proyectos realizados por ocho artistas internacionales. Con una ambiciosa serie de obras que ha encargado, la Fundación pretende contribuir al debate internacional sobre la dramática cuestión de la violencia doméstica, que se ha exacerbado a consecuencia del dilatado estado de emergencia propiciado por la Covid-19.
Los ocho artistas a los que se ha invitado a explorar el tema de la violencia doméstica durante el confinamiento sin precedentes de 2020 son: Iván Argote (Colombia/Francia, nacido en 1983), Silvia Giambrone (Italia/UK, nacida en 1981), Eva Giolo (Bélgica, nacida en 1991), Basir Mahmood (Pakistán/Países Bajos, nacido en 1985), MASBEDO (Italia, Nicolò Massazza, nacido en 1973 y Iacopo Bedogni, nacido en 1970), Elena Mazzi (Italia, nacida en 1984), Adrian Paci (Albania/Italia, nacido en 1969) y Janis Rafa (Grecia, nacido en 1984).
Mascarilla 19 es el nombre de una campaña lanzada por el presidente del Gobierno de España Pedro Sánchez en respuesta al llamamiento del Secretario General de la ONU António Gutierrez y al aterrador incremento de los casos de violencia durante la pandemia cuando muchas mujeres, debido al confinamiento, se encontraron atrapadas en casa e imposibilitadas para pedir ayuda. En un mundo hiperconectado digitalmente pero separado físicamente, las víctimas de violencia doméstica se han visto abocadas a un estado de doble aislamiento, quedando sin medios para comunicarse con el mundo exterior. Esta situación ha llevado a crear un código secreto de SOS, una palabra clave que las víctimas de violencia pudieran usar en las farmacias de toda España alertando a sus empleados para que pusieran en marcha el proceso de respuesta de emergencia.
Con un proyecto que alude directamente a esta campaña, la Fondazione In Between Art Film pretende hacer una llamada de atención a una emergencia global al tiempo que ayuda a artistas, ofreciéndoles apoyo tangible para producir una obra nueva en un momento en el que todas las iniciativas artísticas han quedado en suspenso.
Los ocho filmes de artistas que componen Mascarilla 19 – Codes of Domestic Violence ofrecen diferentes perspectivas sobre un tema común, capturado en su espectro y urgencia más amplios: cada obra expresa una sensibilidad única, lenguajes de pensamiento y perspectivas que van desde una exposición en estilo documental a la exploración simbólica y psicológica de las dinámicas de las relaciones.
EL PROGRAMA
Con motivo de su estreno en España, se presentará una selección de cuatro películas. La proyección será seguida de una conversación abierta con los comisarios Leonardo Bigazzi, Alessandro Rabottini y Paola Ugolini.
Con inscripción previa. El horario de la sesión se comunicará pronto.
En la película Les statues meurent aussi, Resnais y Marker se preguntan porque unas obras, (el arte africano o arte negro que decían) se encuentran en el Musée del Homme, el museo de antropología, y en cambio otras, como las de arte griego clásico y romanas, se exponen en el Musée du Louvre, el museo de arte. Cada museo las inserta en un contexto y una genealogía diferentes: la historia del arte occidental, o la historia de la humanidad y consecuentemente de la alteridad. El museo: el lugar de las categorías. Intuimos que en un museo y en el otro los efectos y las consecuencias de la muerte son diferentes.
Ariella Azoulay con Un-Document. Unlearning Imperial Plunder, (2019) parte del trabajo de Resnais y Marker situándolo en el contexto presente, para hacer una crítica y defender que estos objetos, esculturas o estatuas saqueadas en las exposiciones imperiales, en realidad, no mueren. Un-Document. argumenta que hay una fuerte conexión entre los objetos saqueados a los museos europeos y las demandas de solicitantes de asilo que intentan entrar a los países de sus antiguos colonizadores europeos. Los derechos de los indocumentados se inscriben en los propios objetos saqueados: los colonizadores no robaron solo estatuas, sino derechos inscritos en objetos. Aun así, las estatuas todavía viven y se pueden recuperar, y se pueden renovar los derechos inscritos en ellas.
María Iñigo Clavo es investigadora, curadora y profesora. Sus intereses de investigación son la colonialidad, el comisariado y la museología, la modernidad y sus invenciones de la alteridad, la intraducibilidad y el arte en América Latina. Su intervención propone una lectura en diálogo con el artista guatemalteco Benvenuto Chavajay Ixtetelá para pensar más allá de la polarización y essencialización y para compartir posiciones.
El proyecto se sitúa dentro del marco de la exposición Devenir inmortal y después morir, comisariado por Caterina Almirall en La Capella.
