La exposición Muted Explosions presenta, por primera vez en Cataluña, el trabajo de los artistas y cineastas ucranianos Roman Khimei y Yarema Malashchuk. La exposición mostrará tres piezas cinematográficas recientes: Explosions Near a Museum (2023), Dedicated To The Youth Of The World II (2019) y Dedicated To The Youth Of The World III (2023). Estas piezas están unidas por el tema de la ausencia y la resistencia, la coexistencia de silencio y ruido, y el contraste entre la incertidumbre y la determinación colectiva.

La doble proyección de Dedicated To The Youth Of The World II y III nos sumerge en el contexto cronológico único de Ucrania, progresivamente invadida y luego abiertamente en guerra. La segunda versión de la película es una recreación de la primera, producida bajo el mismo título en 2019. Dedicated To The Youth Of The World II documentó el rave Cxema en Kiev. Los orígenes de Cxema están estrechamente relacionados con el malestar que se desarrolló gradualmente en la última década, después del levantamiento de Maidan, y que condujo a la etapa actual de guerra en todo el país. Aunque la obra fue encargada originalmente por el festival Cxema, sus nueve minutos trascienden la noción de documentar un rave. La película ahora se erige como un documento icónico de la vitalidad artística de Ucrania mientras ya estaba bajo ataque, así como un retrato colectivo de una juventud dañada y resiliente. La película fue filmada en el gran pabellón del Estudio de Cine Dovzhenko en Kiev, que se transformó en una zona de rave masiva para la ocasión. La cámara siguió de cerca a los participantes en el nuevo día, una realidad que muchos parecían no poder aceptar. Solo unos segundos bastan para inmortalizar una postura, una mirada, codificando una cierta atemporalidad en el gesto. Los cuerpos de los modelos son como aparecen: contemplativos, agotados, un poco desconcertados, un poco místicos, con rostros sensualmente cercanos a un grado de emoción cero. Emergen de una otredad existencial, no de la fiesta en sí, sino de una composición de tiempo y lugar, de resistencia corporal y del funcionamiento del espacio, un condicionamiento técnico específico que trae formas de convertirse y la afectación de la atención hacia ella/ellos. Ravers saliendo de la fábrica. Dedicated To The Youth Of The World III, en contraste, se creó en un contexto completamente diferente. Los artistas decidieron recrear el rave en septiembre de 2023 bajo una amenaza constante, centrándose en los miembros de la comunidad que reemplazaron a los participantes anteriores del rave después de una pandemia prolongada y una invasión rusa a gran escala de Ucrania.

La obra Explosions Near the Museum (2023) documenta el saqueo del Museo de Tradiciones Locales de Jersón por parte de los ocupantes rusos en octubre de 2022. Con más de 173,000 artículos, desde oro escita hasta armas de la Segunda Guerra Mundial, el museo fue saqueado estratégicamente por las fuerzas de ocupación rusas dos semanas antes de la liberación de Jersón por parte de los ucranianos. Los sonidos de los bombardeos y ataques con cohetes fueron grabados durante el rodaje en el museo el 12 de diciembre, a menos de dos kilómetros del territorio ocupado por Rusia. Las vitrinas y pedestales vacíos reflejan no solo la pérdida física, sino también la amnesia cultural. Las imágenes de la escena muestran un entumecimiento temporal ante la pérdida. Sin embargo, para reemplazar el entumecimiento, una voz en off ofrece la lectura de una descripción detallada de los artefactos robados según el catálogo del museo. La voz enfatiza bien la esperanza de que la colección del museo pronto regrese a su estado anterior o la negación de la realidad en la que ocurrió el saqueo.

Como uno de esos crucigramas infantiles consistentes en una página llena de puntos numerados que, al unirlos con líneas, nos dibujan la silueta de un animal o de un personaje reconocible. Esta exposición toma este desplazamiento de la mano sobre el papel como una manera de abordar el cine de Aura Satz. La diferencia consiste en que aquí los puntos no están numerados. Existen, pero ninguna notación puede fijarlos. El trazado del contorno se convierte así en un procedimiento huidizo, cambiante, intercambiable, pero también preciso y generativo. Las conexiones suceden en una dimensión experiencial sin prescripción. Suceden en un desarrollo más cercano, afectivo y sensual.

Attuning se centra en un conjunto particular de obras dentro del cuerpo de trabajo de Aura Satz a partir de algunos puntos ciegos –que no sordos– del relato dominante de la música electrónica y las convenciones que los han mantenido. La artista retrata una serie de compositoras que han sido relevantes para el desarrollo de la música electroacústica y las tecnologías vinculadas a la creación de sonidos electrónicos. La exposición presenta Oramics: Atlantis Anew, 2011, concebida en homenaje a Daphne Oram; Little Doorways to Paths Not Yet taken, 2016, un perfil intimista del estudio de la compositora estadounidense Laurie Spiegel y Hacer una diagonal con la música, 2019, con la compositora electroacústica Beatriz Ferreyra, impulsora, junto a Pierre Schaeffer, de la música concreta.

El día 23 de noviembre a las 18:30h en la Filmoteca de Catalunya tendrá lugar una sesión de escucha de las composiciones telefónico-sonoras de Aura Satz, Dial Tone Drone, 2014, con Pauline Oliveros y Laurie Spiegel y Tone Transmissions, 2020, con Eliane Radigue, Julia Eckhardt y Rhodri Davies. Para esta actividad contaremos con la presencia de la Aura Satz. Tras la escucha de las dos piezas Aura Satz dialogará con Carolina Jiménez, comisaria del ciclo Attuning.

Hoja de sala aquí

Todo comienza con la fascinación de Gunnar Friel por Can Lis, una casa construida por Jorn Utzon en Mallorca (1972) como residencia de su familia, después de haberse convertido en un referente internacional con la Ópera de Sydney (1957-1973). Es un edificio site specific, que aparece como un espacio óptico, casi una escultura. El video es una investigación personal sobre el material y la memoria, un video-diario para buscar el espíritu de la casa.

Espacios del adentro y el afuera, lo efímero, los vientos y las luces, los pinos y las sombras y, sobre todo, la piedra de marés. Las sutilezas del arquitecto fusionan los elementos, las temperaturas o los reflejos del mar que van y vienen. La sensibilidad de Utzon se muestra con toda su discreción en esta obra site specific. La estima y la escucha del arquitecto del locus lo estimulan para ordenar los cuatro pabellones de la casa, y para fijar en marés las privilegiadas vistas al mar siguiendo el camino del sol. 

El video es un recorrido atento por las superficies y los lugares, por el paso del tiempo y por el tiempo sostenido, por los días que pasan que han madurado las paredes y las estancias. El material evocado y protagonista es el marés, la piedra propia del lugar: Santanyí. El marés es una piedra que tiene, entre otras, unas singulares propiedades sonoras y musicales.

Como es habitual en las investigaciones y obras de Friel, el video incluye una serie de entrevistas, como con el artista Xim Llompart o el arquitecto Francisco Cifuentes de Aulets arquitectes (estudio de arquitectura que trabajó en la rehabilitación de la casa en 2012). También hay una singular entrevista con la hija de Utzon, Lin. 

Con el apoyo de:

Stiftung Kunstfonds Berlin

Arxiu Casa Planas, Palma de Mallorca

Ministry for Culture and Science of North-Rhine Westphalia

Utzon Archives / Aalborg University & Utzon Center, Denmark

Fundació ACA Àrea de Creació Acústica, Búger, Mallorca.

Por un lado, el recorrido video-gráfico Reclamando el eco, con obras de artistas nacionales e internacionales que reivindican y celebran el carácter comunicativo de la experiencia musical.

Obras presentadas:

Reclamando el eco

Cecilia Bengolea (Buenos Aires, 1979)
Dancehall Weather, 2017
10 min 28 sec

Fito Conesa (Cartagena, 1980)
El Reparo, 2021
5 min

Carles Congost (Olot, Girona, 1970)
Wonders, 2016,
15 min 

Marco Godoy (Madrid, 1986)
Reclamar el eco, 2015
5min 25 sec

Adrian Melis (La Habana, 1985)
Glorias de un futuro olvidado, 2016
15min

Teresa Serrano (Ciudad de México, 1936)
Amapola, 2017
2 min 15 sec

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A lo largo de los siglos se ha debatido mucho sobre el significado de la música y de la composición como formas lingüísticas. Aunque resultaría complicado afirmar la universalidad del lenguaje musical sin caer en generalizaciones apresuradas, se puede decir que la música también es una herramienta de comunicación, con sus códigos específicos de expresión y representación, una entonación y un vocabulario propios.

Como en el caso de la variedad lingüística (‘dialectos’) para distinguir los hablantes de un mismo idioma, en ámbito musical también se puede diferenciar entre géneros o estilos diversos. Según la clasificación académica, los factores a tener en cuenta en este caso serían la ‘instrumentación’, el ‘diseño’ y la ‘intención’ de una composición, así como sus ‘particularidades culturales’ y el ‘entorno histórico y geográfico’ de su producción.

De acuerdo con esto, se pueden identificar géneros que utilizan instrumentos musicales clásicos o acústicos, y otros que están producidos de forma virtual, con matices electrónicos y sintetizadores; hay géneros que son una mezcla de músicas distintas, y otros que reivindican su purismo. Algunos siguen una partitura exacta y otros se basan en la improvisación. Existen composiciones pensadas para acompañar el canto o el baile, así como para causar momentos de recogimiento y reflexión. Existe la música tradicional o popular, así como la evangélica o religiosa. Existen ritmos fruto de movimientos juveniles de oposición al sistema, así como letanías repetidas a un santo o melodías de reivindicación obrera.

Como quiere mostrar esta selección de vídeo, podríamos decir que la música es un fenómeno híbrido, diverso, plural, heterogéneo, pero presente en la cotidianidad o en la memoria de cada uno. Una herramienta de comunicación con un fuerte carácter político, social, litúrgico, visionario o de entretenimiento.

Así, en El Reparo (2021) del artista Fito Conesa (Cartagena, 1980), escuchamos un canto dirigido a su tierra de origen y a la zona minera de La Unión; y en Reclamar el eco (2012) de Marco Godoy (Madrid, 1986) los lemas pronunciados en las manifestaciones de protesta en España. Amapola (2017) de Teresa Serrano (Ciudad de México, 1936) propone una triste melodía que celebra la resistencia simbólica de la flor ante secuestro por la red de narcotráfico en México, mientras que Glorias de un futuro olvidado (2016) de Adrian Melis (La Habana, 1985) presenta un grupo de mujeres que recuerdan su pasado en la época de la Cuba Capitalista a través de unas canciones. Por otro lado, Wonders (2016) de Carles Congost (Olot, Girona, 1970) utiliza recursos cercanos al biopic musical y a la performance para reflexionar sobre las repercusiones sociales y personales del éxito y el fracaso; y Dancehall Weather (2017) de Cecilia Bengolea (Buenos Aires, 1979) propone una mezcla de varios videos coreográficos filmados entre 2014 y hoy, dónde la música de dancehall constituye un importante momento de afirmación y agregación.

Podríamos reafirmar, entonces, que el significado (o interpretación) que se atribuye a la música tiene que ver, esencialmente, con el horizonte cultural desde el cual se produce o se escucha, pero que su existencia se constata de un lado a otro del planeta, como una resonancia, una repercusión, o un reflejo continuo. Un eco infinito más allá de tiempo y espacio.