Soundtrack to a Coup d’Etat

Johan Grimonprez

2024 | Bélgica, Francia, Países Bajos | 150 min.

Monumental e innovadora lección de historia a ritmo de jazz que explora las turbulencias sociales de los años 60, la Guerra Fría, la descolonización de África y cómo la CIA y la monarquía belga orquestaron el asesinato de Patrice Lumumba, primer ministro del Congo, utilizando músicos legendarios de jazz como distracción. La significación política y la música de artistas afroamericanos como Dizzy Gillespie, Nina Simone, Max Roach o Abbey Lincoln, y congoleños como Adou Elenga o Joseph Kabasele, unen las piezas de un cruento y apasionante rompecabezas.

El 22 de noviembre, el comisario Carles Guerra conversará con la comisaria Pascale Cassagneau (CNAP).

Intervienen: Miriam Makeba, Andrée Blouin, Nikita S. Khruschev, Patrice Lumumba, Allen Dulles, Paul-Henri Spaak, In Koli Jean Bofane, Krishna Menon, Malcom X, Max Roach, Abbey Lincoln, Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Nina Simone, Thelonious Monk, Docteur Nico, Joseph Kabasele

El programa Comment ça va? toma su título de la película homónima de Jean-Luc Godard (1978), y ha estado desarrollándose a lo largo de las ediciones anteriores del Festival LOOP. Presenta documentales que manifiestan una notable capacidad para recorrer la historia, recuperar la verdad y capturar la realidad, no como sus objetivos finales, sino más bien como herramientas y potencialidades de formas, que emprenden un viaje y forjan un camino a través de complejas geografías políticas. Las obras seleccionadas encarnan una serie de propuestas que retoman algunos de los tópicos del arte contemporáneo, así como posibilidades narrativas que responden a la vocación de «historias que merecen ser contadas» (para citar a Paul Ricœur en Temps et Récits I).

En Comment ça va? Jean-Luc Godard graba un intercambio entre el redactor jefe de un periódico comunista y sindicalista y su amigo, un militante de izquierdas, durante la redacción de un artículo que pretende revelar el proceso de producción de su diario. Ambos discrepan sobre el tratamiento de la información y, en particular, sobre la utilización de dos imágenes. La primera imagen muestra a civiles y soldados en conflicto durante la «Revolución de los Claveles» de Portugal, y la segunda, un enfrentamiento entre huelguistas y fuerzas antidisturbios francesas durante una protesta. Aunque la película consigue exponer las complejas tensiones ideológicas y las disensiones que dividieron a la izquierda francesa, a través del montaje y el movimiento de la película, también disecciona la dimensión retórica de la elaboración de noticias.

La práctica contemporánea del vídeo, que resuena con diversas hipótesis sobre la realidad, la historia y la intimidad, no es un campo trascendental en sí mismo, sino más bien un territorio indefinido en el que los artistas se aventuran (como hacen con la fotografía, el dibujo, los medios digitales o la creación de objetos). Al abordar estos temas, varias obras de vídeo los desplazan para explorar su alcance utópico, como por ejemplo, con la apropiación de diversas fuentes culturales extraídas de los medios de comunicación de masas y la perspectiva de la red basada en Internet como contexto; el tiempo humano y la autoficcionalización individual; la singularidad y la intimidad reformuladas en la escala del tiempo común y entre el espacio público y el privado; representaciones únicas del yo que establecen un diálogo con la edición de la imagen, ya que el montaje, la fragmentación y la referencia al espacio cinematográfico se convierten en su principal motivación.

Desde el siglo pasado, la aparición del documento como elemento de creación de conocimiento ha modificado el estatuto de la memoria. En efecto, las imágenes proporcionan a la memoria un soporte y un portal de reflexión, conduciendo la mirada tanto hacia el objeto de la memoria como hacia la memoria del objeto, reconociendo la ambigüedad de su articulación. Además, el documento ha dado lugar a tipos de ensamblajes y montajes que sirven de base para la elaboración de relatos y formas de historización. La creación de archivos plantea a la vez interrogantes sobre la historia y sobre los relatos personales e individuales. Tal es la naturaleza del documento: un valor de uso para la reapropiación de subjetividades, de formas de historicidad, a través de la multiplicación de hipótesis narrativas.

Programa

18/11/2023, 17.30h
João Pedro Rodrigues & João Rui Guerra da Mata. Onde fica esta rua? ou Sem antes nem depois (2022, 88 min)

19/11/2023, 18h
Joris Lachaise, Transfariana (2023, 150 min)

Este programa tiene el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E).

Desde nuestra ventana se puede ver un set de la película de 1963 The Green Years. Este fue nuestro punto de partida: guiado por la mirada de Paulo Rocha, miramos atrás a los lugares de la película. Los sucesivos estratos geológicos, urbanísticos y sociales de Lisboa, asediados por la pandemia que interrumpió el tiroteo, se extienden ante nuestra cámara, como un improvisado jazz contemporáneo de una partitura escrita el 1963.

A La Picota, una prisión de alta seguridad en el sur de Bogotá, el matrimonio de un guerrilla de las FARC con una mujer transgénero extrabajadora sexual, sentenciada a cadena perpetua, primero provocó un escándalo, después una transformación de mentalidades. Basada en la historia de estos novios rebeldes, la película sigue el encuentro entre dos formas de lucha, dos modelos de lucha que su transformados por interpenetración. FARC y LGBTQIA+, la misma lucha?
Entre el mundo de las prisiones, la vida urbana en Bogotá y la selva colombiana, la cámara busca signos de cambio en la sociedad. Una inteligente, sorprendente y profunda película de mosaico humano.

El espacio expositivo en línea courtyard presenta una proyección previa de su próxima producción High Heel Beloveds de la artista Leslie Thornton. Para High Heel Beloveds, Thornton hace una sesión de VJ entre su archivo de imágenes de náufragos, extraídas de su cinematográfica Peggy and Fred in Hell (1983-2015, 95 minutos). En el transcurso del próximo año, según sus propias palabras, «aprenderá a hablar en un vacío de transmisión», a través de imágenes mutiladoras que ha filmado y recopilado durante décadas. A partir de todo su trabajo con la creación de imágenes, Thornton ofrecerá una cadena de experimentos de apariciones y degradaciones, con nuevas formas que llegan y se disipan con el tiempo.

Un adelanto de este proceso se presentará por primera vez en el Festival LOOP.

High Heel Beloveds presenta imágenes que nunca se vieron antes, junto a Peggy y Fred en Hell: The Prologue (1985, 18:43 min) y High Heel Beloved (2022, 4:5 min).

Hacia la niebla es un proyecto de cine expandido que surge a partir de la experiencia de contagio,
aislamiento y puesta en libertad con el COVID-19 del propio director en Quebec, Canadá. Trabaja el film como materia, como posibilidad y como metáfora. La relación con el espacio, con la memoria y con la añoranza. La pieza es un ensayo sobre una pandemia desde el cuerpo. Un cuerpo que encarna inmunidad y que la pone en duda. Un sueño que a su vez evoca el miedo y la esperanza. Un ejercicio que parte de la incertidumbre paralizadora hacia la fuerza vulnerable capaz de tumbar gigantes.

«Cuando tengo ganas de escuchar música, abro las ventanas de mi apartamento.»

John Cage

Artista Holandesa, residente en Bruselas , Manon de Boer  hace del cine y las películas su territorio fundamental de creación y de expresión. Sus primeras películas silenciosas de finales de los años 90 son retratos cinematográficos. Contrariamente, sus posteriores películas que evocan el músico Bela Bartok son películas sobre el sonido, la música y la plasmodia, pensadas en perfecta complicidad intelectual con la compañía Rosas y la coreógrafa Anna Teresa de Keersmaeke, así como el intérprete George van Dam. Sus retratos de músicos y músicas son experimentaciones de formas fílmicas y de formas temporales. Sus películas se encuentran a medio camino entre el arte y el cine y son, así mismo, espacios en estado de acogida perpetua del vacío. De naturaleza performativa, el cine de Manon de Boer consiste en la interpretación corporal, coreografiada en partituras, con su atención enfocada sobre las nociones de interpretación, partituras, notación y registro.

‘Attica’ (2008)

Attica (2008) hace referencia al motín que tuvo lugar los días 9 y 13 de septiembre de 1971 en la prisión de Ática (Estado de Nueva York), en el cual más de un millar de personas se sublevaron después del asesinato del militante del partido Black Panther asesinado por los guardias en el patio de la prisión de San Quentin (California), además de las condiciones de detención dela prisión de Ática. 29 prisioneros fueron asesinados a consecuencia del motín.

En 1972, el compositor Frederic Rzewski compuso dos piezas, Coming Together y Attica, basadas en cartas de Sam Melville, un prisionero blanco que fue fusilado en el asalto final de los amotinados. En Attica, Manon de Boer hace tocar la obra musical a cuatro músicos – Laurent Blondiau (trompeta), George van Dam (violín), Emmanuel Louis (voz) y Jan Rzewski (saxo)-, dándole una arquitectura precisa: la vuelta principal que forma la columna vertebral de la obra de Rzewski  Attica is in front of me, da forma a un bucle repetitivo, según el dispositivo de un viaje circular es filmado en el reflejo de sí mismo.

‘Dissonant’ (2010)

Dissonant (2010) es una película sobre las relaciones entre la danza y la música. Partiendo de la obra de que en 1939, John Cage escribía en un ensayo Silencio que “la música se convertirá en más que un acompañamiento: será parte integrante de la danza” – Manon de Boer filma un proceso de memorización en directo: una bailarina de la compañía Rosas es filmada mientras escucha un movimiento de una sonata para violín del compositor Ysaÿe, para interpretarla. La bailarina memoriza la secuencia mientras la descifra. Después, la cineasta la graba de nuevo mientras interpreta el movimiento bailando, en ausencia de música. El sonido siempre está fuera de escena en la obra de Manon de Boer.

‘On a Warm Day in July’ (2015 – producido por Le Fresnoy)

Rodado en el Hotel Wolfers de Bruselas con la cantante soprano norteamericana Claron McFadden. Esta obra de Manon de Boer se centra en la respiración, el espacio y el vacío de la arquitectura. Basádose en dichos conceptos, una intérprete improvisa libremente una pieza cantada inspirándose en un canto del siglo 17.

‘One, Two, Many ‘(2012 – colección CNAP)

One, Two, Many (2012) es una obra concebida para la Documenta 13 de Kassel que explora los espacios de escucha y de interpretación de la música que pasa a través del cuerpo. Tres grandes movimientos integran la obra: un primer travelling hacia adelante nos muestra el retrato en primer plano de un intérprete flautista en el proceso de buscar el aliento, esculpirlo y explorar su grano. Un segundo movimiento – secuencia hace sonar la voz de Roland Barthes grabada durante los últimos cursos del Colegio de Francia dedicados a Comment vivre ensemble. El fragmento trata sobre las relaciones que unen el pensamiento y la voz. Finalmente, el último movimiento es un travelling lateral en bucle que presenta un coro de cantantes que interpretan Tre cante popolari de Giancito Scelsi mientras unos cuantos personajes giran a su alrededor del coro creando un círculo desorganizado, inmersos en una escucha singular.

Estrenada a principios de febrero en la Dhaka Art Summit 2020, ‘Fog Dog’ es la primera incursión del artista en la narración cinematográfica. Toma como punto de partida la curiosa interacción de los habitantes humanos y no humanos del Instituto de Bellas Artes de Dhaka, documentando la vida cotidiana de la escuela y los numerosos perros callejeros que viven allí y parecen llevar una existencia paralela.

Diseñado por el arquitecto y pionero del modernismo bangladesí Muzharul Islam (1923-2012) y caracterizado por una estructura abierta -columnas abiertas, escaleras exentas, celosías de cerámica y pantallas de madera permiten entrelazar el interior y el exterior- el edificio es a la vez escenario y protagonista de la película. Los límites entre el interior y el exterior, el edificio y los jardines que lo rodean, los espacios institucionales y los públicos parecen fluidos. Los ruidos ambientales del paisaje tropical y del entorno urbano se mezclan, creando un paisaje sonoro muy evocador.

A partir de la inextricable imbricación de las huellas del pasado y las perspectivas de futuro en las realidades actuales, las conversaciones sobre las consecuencias duraderas del pasado colonial y un reportaje televisivo sobre los efectos del cambio climático se entrelazan con la vida cotidiana que encontramos, mientras la película se instala en la rutina del vigilante nocturno de la escuela. Durante la noche, el edificio recibe la visita de una presencia fantasmal, un fantasma que no parece estar fuera de lugar y que sigue acechando a su guardián incluso después del amanecer.

Las relaciones con la Tierra han sido relaciones sociales de trabajo y explotación desde el capitalismo industrial emergente del siglo XIX, de la misma manera que en capitalismo digital del siglo XXI.

¿Quién posee los recursos naturales y quien recibe sus ganancias? ¿Cómo configuran el trabajo asalariado y la explotación nuestras relaciones con la tierra y nuestras relaciones mutuas? ¿Cómo la aceleración de los procesos digitales se contrapone a la lentitud de los procesos geológicos? La artista Regina de Miguel se hace estas preguntas basadas en las regiones del Chocó en Colombia y Rio Tinto en España. En ellas el estado, la población local y las corporaciones internacionales luchan por el oro subterráneo, un elemento esencial para la industria informática al mismo tiempo que un elemento alienígena, que configura un objeto del mal asociado al deseo y la violencia sobre los cuerpos y los territorios.

A través de varios escenarios se visibilizan diversos aspectos de colonialidad extractivista, estrategias de resistencia y guerrilla, el activismo social feminista de Yuli Correa en Colombia durante el proceso de Paz y una re-lectura crítica del Museo de Oro de Bogotá y sus protocolos de ocultación para finalizar con un epílogo basado en Mi Museo de la Cocaína de Michael Taussig.

Con el apoyo de la Fundación Más Arte Más Acción (Colombia).

Into the River es una sesión de video- performance que reúne tres trabajos desarrollados dentro del marco de trabajo de Estéticas Transversales, una plataforma de experimentación entre el arte, la mediación y el espacio social activada por Idensitat en colaboración con centros artísticos de València, Alicante y Castelló, en colaboración con el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, y en Huarte, Burlada y Villava con el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte.

Estéticas Transversales es un lugar de confluencia entre las prácticas artísticas como espacio de investigación crítica; las acciones de mediación como espacio de producción de contenido, de interacción y de transferencia de aprendizajes; y el contexto como espacio de relación entre una temática de trabajo y un determinado espacio social activo alrededor de ella.

En esta última edición 2021, Ecosistemas de Ficción, tanto en Navarra, como en la Comunidad Valenciana se ha trabajado a partir de la premisa conceptual de la Ficción y de una serie de escenarios comunes: los ríos.

Artistas, participantes de los contextos locales y espacios educativos han desplegado distintos procesos alrededor de las tensiones, paradojas o conexiones que existen entre las realidades y ficciones imaginadas en los contextos propuestos, partiendo de los ríos y sus componentes y lecturas (naturales, sociales, paisajísticas, políticas, etc) como elementos que perfilan y a la vez difuminan los límites entre lo rural y lo urbano.

El agua del río Arga, o la ausencia de ella como en los cauces del Riu Sec de Castelló, Túria de València y Riu Monnegre de Alicante, dialoga y despliega distintas visiones imaginarias o ficcionadas propias de los territorios donde se desarrolla el proyecto.

Para esta sesión se proponen tres piezas audiovisuales; tres producciones experimentales en diálogo con estos ríos que son el resultado de las residencias artísticas llevadas a cabo en el marco de Estéticas Transversales – Ecosistemas de ficción entre 2019 y 2021 . The Night Flier de Jorge Núñez de la Visitación realizado en residencia en el Centro Cultural Las Cigarreras de Alicante, “De Perdidos al Río” de Joana Capella y Roc Domingo llevado a cabo en Huarte y Alfonso Borragan, “La Guaca o Tesoro” en Huarte, ambos junto con el Centro de Arte Contemporáneo Huarte.

The night flier
Jorge Núñez de la Visitación
The Night Flier AKA Fleeting AKA Full Exposure es una película fragmentada de terror fantástico que acontece como cine performativo, llevada a cabo durante la residencia artística de Jorge Núñez de la Visitación en el Centro Cultural Las Cigarreras y el río Monnegre (Río seco) de Alicante. La mezcla de vídeo, sonido y texto sirve para reconstruir las estéticas fílmicas del cine de género fantástico poniéndolo en relación al paisaje, un paisaje formado por un curso fluvial discontinuo y débil. ¿Cómo se narra el miedo a lo desconocido? ¿Qué ocurre en la fricción entre lo inesperado y lo convencional?

La narrativa gira en torno a Margot. Ella vive junto a dos científicos en una casa al lado de la playa. Como sospecha que están haciendo experimentos turbios en una habitación de la casa, un día, aprovechando que han salido, Margot husmea en el laboratorio y toca una sustancia desconocida. A partir de aquí comienza a sentirse extraña y tiene un sueño recurrente: un avión surca el mar Mediterráneo en mitad de la noche mientras emite señales extrañas por la radio. Margot entra en contacto con un ente surgido de la nocturnidad, The night flier.
La película es parte del resultado de la residencia de Jorge Núñez, donde el artista juega con la fragmentación visual y sonora y plantea un acercamiento al Río Seco desde lenguajes vinculados al cine experimental y de terror.

La Guaca o Tesoro
alfonso borragán
La Guaca es un video ensayo desarrollado en colaboración con Patxi Alda, Ione Lameiro y Hasier Larretxea. La pieza es una narración semi-ficcionada en la que se imagina la relación entre los fragmentos de tesoros acumulados en el río y arrastrados por la corriente, y la buscadora que se deja encontrar por ellos. El tesoro es esquivo y como la propia buscadora de tesoros cuenta, el tesoro escapa de sus buscadores. La guaca te encuentra. El video ensayo se construye a través de reflejos que buscan estos tesoros en el agua e imágenes fragmentadas de la reconstrucción de fotogrametrías de tesoros que escapan a su representación.

La Guaca es parte del proyecto a largo plazo No Man’s Land que usa el agua y el juego como revelador de lo ilícito. Re-habitando un espacio olvidado libre normas sociales y de poseedores. El proyecto, por una parte, trata de recuperar las prácticas escondidas que allí se realizaban y los recuerdos que lo habitan, por otra, recreando nuevas historias, experiencias y mitos para que puedan ser recuperadas en el futuro. En esta fase, el proyecto explora el magnetismo del destino y el arrastre del río Arga, y sus tres localidades que siguen su curso: Huarte, donde se sitúa el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte, Burlada y Villava (Navarra).

De perdidos al río
Roc Domingo y Joana Capella
De perdidos al río, es un proyecto que surge en una residencia orientada a trabajar la relación entre lo real y la ficción aplicados al contexto del río Arga en su paso por las localidades de Burlada, Villava y Huarte.
El proyecto experimenta entre el imaginario vinculado a la memoria y la identidad anexa al río, y la construcción de un nuevo imaginario mutante elaborado desde la ficción. La formalización del proyecto se adaptó a las nuevas circunstancias derivadas de la pandemia, convirtiéndose en una experiencia estética particular sin público, una extraña Romería solitaria de dos seres que emergen del antropoceno, que en su trayecto unen el centro Huarte, con el centro de tratamiento de residuos de Góngora, siguiendo el curso del río Arga, pasando por Burlada y Villava.

La acción se convierte en una pieza audiovisual de larga duración que se transmite en directo. La película-performática es un plano secuencia que recoge toda la travesía, desde el inicio del proyecto, su proceso de producción y el camino propiamente dicho ejecutado por las artistas. El interés del uso de la reproducción aleatoria en directo la multipantalla y el plano secuencia, sirven para cuestionar la linealidad narrativa de los hechos, poniendo en tensión la direccionalidad y la transición, intentando desplegar o desvelar aquellos mecanismos que construyen esa idea. La pieza va acompañada de un texto, convertido en una voz en off que va apareciendo a medida que se van sucediendo las imágenes.